さまざまな業界で活躍するゲストを招き、「働き方」についてのお話を伺う対談企画。

プロフェッショナルとして働く上で大切にしていること、心に残っている仕事、そして今後叶えていきたいこと……。対話を通じて語られる「これからの働き方」とは、いったいどのようなものでしょうか？

今回はクリエイティブエージェンシー「monopo」で活躍しているクリエイティブディレクターの宮川涼さんを迎え、DONGURIでWebデザイナーとして働く永井大輔がお話を伺いました。

※この対談は2020年3月19日に実施したものです。

「好きなことを仕事にするためには、まず言葉にすること」

2年ほど前、DONGURIの社内勉強会に招かれた宮川さんは、開口一番こう語りました。これまで、音楽やアイドルといった個人的に好きなジャンルの仕事を手掛けていた宮川さん。その経験から出たそんな言葉は、永井に大きな影響を与えました。アニメ・ゲームといったジャンルが好きな永井は、宮川さんの話を聞いた直後から、自分のポートフォリオを作成し、さまざまな企業に送付。その結果、アニメ・ゲーム系の仕事を数多く手掛けるようになったのです。

ビールを片手に始まった対談は、ふたりの仕事に対する熱い想いを語るものとなりました。

エンタメに見出したデジタルの可能性

いやー、外が暑かったからビールが美味いね。

宮川

早速開けちゃってますね（笑）。

永井

今日の仕事は片付けてきたから大丈夫！

宮川さんは「好きなことを仕事にする」という意識のもとに、アイドルやアーティストなどエンタメ系の仕事を積極的にしていますよね。今日は、そんな宮川さんの仕事についてお話を伺わせていただこうと思います。

6年前にmonopoに入って、2年くらいは普通に企業のWebサイトやアプリなどをつくっていました。けど、そんな仕事をずっとやっていると、だんだんと自分のできることの範囲内で収まってしまうようになるし、Webを作ってもクライアントが喜ぶだけで一般のユーザーにまで届いている実感が感じられなくなってきた。だんだんと、仕事に飽きがくるようになってきたんです。ちょうどその頃、安室奈美恵や、FACTといったアーティストによるインタラクティブなミュージックビデオを使ったプロモーションが盛り上がっていた。そんなコンテンツを見ていると、このようなコンテンツこそがデジタルクラフトの魅力を発揮できるものなんじゃないかと思ったんです。そこで、それまで手掛けていたBtoBの案件から、広告、プロモーション、音楽といった、エンターテインメント方面に興味がシフトしていきました。

個人的にもエンタメ系が好きだったんですか？

うん。もともと、大学時代にはファッション系のフリーペーパーを発行していて、タレントを表紙にしたりミュージシャンのインタビューを掲載したりしていました。昔からミーハーだしエンタメの世界は好きだったんです。そこで、いろいろな人に「エンタメや広告系の仕事がしたい」と言いはじめたのが4年くらい前。すると、少しずつ仕事がもらえるようになってきて、実績やコネクションが積み上がっていった。2018年頃からは、エンタメ系の仕事ばかりをやるようになりましたね。エンタメ系として一発目の仕事となったのが、篠崎愛さんのシングル『口の悪い女』のキャンペーンとしてつくった通話連動型ミュージックビデオ（以下、MV）「URA SHINOZAKI-ほんとうの愛を、知っていますか？」。これは、スマホとPCに連動させることによって篠崎愛から擬似的に電話がかかってきて、MVの裏話を聴きながら一緒に観れるという仕掛けでした。このキャンペーンがファンに受け入れられ、広告・デジタル業界でも話題になったことによって、次の仕事へとつながっていったんです。

篠崎愛さんは好きだったんですか？

篠崎愛の場合、僕が携わる一個前に別のチームが行っていたキャンペーンがとても秀逸だったんですよ。グラビアアイドルとして活躍していた彼女が歌手としてメジャーデビューをするにあたって行われたこの施策は、アイドルとしてMVを見るか、歌手として歌を聞くかの2択をユーザーに突きつけるため、スマホを表にすれば音無しでMVが見れるけれども、裏にすればMVが見れない代わりに歌が聞けるというコンテンツ。テクノロジー的には、ジャイロセンサーを使って裏か表かを識別するだけのとてもシンプルな仕掛けだけど、それによって、篠崎愛という人物のコンテクストを回収した。これはすごいと思いました。そんなキャンペーンが成功していたから、ファンの間にはユニークなキャンペーンを受け入れる土壌があったし、僕にとっては前の施策を越えなきゃならないというハードルがあった。期間が短くてタイトな仕事でしたが、とてもやりがいがありましたね。なによりも、篠崎愛さんと打ち合わせをしたり、ナレーション撮りの現場にも一緒に参加したりと、めちゃくちゃ最高だったんです！

（笑）。2年ほど前にDONGURIで実施した勉強会の際にも、篠崎愛さんの事例を紹介してもらいましたよね。そこで、宮川さんは「好きなことを仕事にするためには、まず言葉にすること」と話していました。それに感銘を受けて、僕も、個人的に好きなアニメ・ゲームの仕事をするために、どんどんと言葉にしていくようになったんです。

DONGURIの場合、BtoBの案件が多いよね。永井くんが今手掛けているようなアニメ・ゲーム系の案件って、当時はなかったの？

ほとんどなかったですね。そこで、いろいろな人に相談したところ、これまで別の案件で一緒に仕事をしていた広告代理店のチームがゲームの仕事をくれたんです。また、直接繋がりのある人だけでなく、営業資料をつくって業界の200社くらいにメールで送りました。

Webから連絡先を調べて売り込んだの？

そうです。その結果、いくつかの仕事につながった。宮川さんの言っていたことは正しかったことが証明されたんです！

言われたいのは「さすが運営！」

永井くんが一番最初に手掛けたアニメ・ゲーム系の案件は？

「ストリートファイター佐賀」のコラボレーションキャンペーンですね。佐賀県の地方創生プロジェクトの一環として行われたこのキャンペーンでは、作中に登場する「サガット」というキャラクターと「佐賀」のネーミングをかけてストリートファイターとのコラボグッズやコラボショップなどを展開していました。このサイトの制作に携わったのが一番最初です。

ただ、それまで僕が好きだったゲームは、ファイナルファンタジーなどのRPGが多く、格闘ゲームはほとんどやったことがなかった。そこで、当時発売したばかりのミニスーパーファミコンを購入してプレイしてみたんですが、始めは波動拳すら出せず、最初の敵にもボロ負け（笑）。やり込んでいくうちに、なんとかラスボスまでは倒せるようになりました。

ベガまで倒せるようになったんだ！

はい。ストリートファイターシリーズは世界中にファンがいるし、そんなファンに対して失礼になることはできません。実際にゲームをプレイしていくことによって、ゲームやキャラクターの魅力も理解できるようになっていきました。Webに実装した部分で言えば、ストリートファイターでは、各対戦相手と格闘する間に車を破壊するようなボーナスステージが設定されています。これがおもしろくて、Webにも隠しステージをつくったんです。

あのキャンペーンサイトはレベルが異常に高かったよね。スマホの場合、普通縦向きでスクロールする構成だけど、ゲームは横向きでプレイするから、サイトも横向きでつくられていた。ただ、それってプログラム的には結構面倒くさいよね？

それに、キャラの操作性やキャラクターの喋り方など、ストリートファイターの世界観が的確に実装されていた。あまりにすごくて……そっと閉じました。

（笑）。再現性は特にこだわりましたね。Webサイトでも、実際のゲームを1フレームずつ確認しながらつくったんです。

アイデアもおもしろいし、クラフトとしてのレベルも高い。きっと、永井くんだけでなく、他のメンバーも楽しく企画して作ったんだろうな、という多幸感がWebサイトから溢れていました。「ここまでこだわってるんだ！」という部分が満載だと、そこに、作り手の多幸感を感じるよね。

宮川さんと一緒に手掛けた案件で言えば、僕がデザインを担当した映画『天気の子』とミサワホームとのキャンペーンサイトも多幸感に溢れた仕事でしたよね。チームのみんな新海誠作品が好きだったし、事前に用意された資料もすごく充実していて、制作がしやすかった。

そうだね。もともとのきっかけは、僕に案件の話が来ていて、デザイナーをどうしようと思ったところ、新海誠が好きな永井くんが浮かんだ。もちろん、クオリティの高さに信頼がある前提ですが、何よりも「この仕事は絶対喜ぶはず！」と思ったから永井くんにお願いしたんです。

公開前にVコンテ（動画版の絵コンテ）を見せてもらい、細かなストーリーを把握することができたし、広告としてこのコラボを伝えるモチベーションも上がった。そして、書体、色味、余白など、デザインの細かな部分で、作品の空気感を徹底的に作り込んでいったんです。細部までこだわるためには、まず、作品が伝えたいことやその空気感をしっかりと理解することが大切ですよね。そのためには、作品に何回も触れ、作品の魅力を知る必要がある。それをもとに、デザイナーであれば自分がこれまで培ってきたデザインの知識を結集させ、最適な形でプロダクトに落とし込んでいくんです。

僕がやらせてもらっている音楽系の案件の場合、アーティストが培ってきたコンテクストも重要になります。アーティストにはコンテクストがあり、新曲やベストアルバムといったプロモーションを行っている。だから、コミュニケーションを考える上でも、そんなコンテクストを踏まえなければならない。今年、加藤ミリヤさんの15周年ベストアルバム『M BEST Ⅱ』のキャンペーンに携わりました。彼女は僕と同い年なんですが、彼女がデビューした当時は僕もまだ高校生だった。その当時、高校生の間では「歌詞画」と呼ばれる歌詞を載せた画像を、ガラケーの待ち受けにするのが流行していたんです。中でも、倖田來未、加藤ミリヤ、大塚愛といったアーティストの曲の歌詞画が流行ってたよね。

懐かしい！ 当時はみんな作っていましたね。

このベストアルバムのプロモーションにあたって、当時は聞いていたけれども、今は離れてしまったファンにも届いてほしかった。そこで、アルバム全曲トレーラーを動画で作らずに、Instagram Storiesのフィルター機能を使って、当時の歌詞画をオマージュしたフィルターを全31曲作ったんです。

その結果、現役のファンだけでなく、ファンを離れてしまった人にもとても喜んでもらえた。改めて、今やるべき意味のあるプロモーションになりました。

ファンが触れてるのは、個別の作品だけでなくコンテクスト全体ですよね。

そう。逆に言えばコンテクストを無視した施策はファンから受け入れられないと思う。以前、あるアイドルグループを起用したキャンペーンで、全くこのグループの持っているコンテクストにそぐわないトーン＆マナーのプロモーションが展開されていました。個人的に、そのアイドルグループが好きだったこともあり、これは「わかってないやつ」が考えているキャンペーンだな……と見抜いた。ファンとしては、そんなプロモーションはとてもムカつくでしょ？

わかります。僕自身もオタクだからこそ、ファンにがっかりされるような仕事はやりたくない。けど、残念なことに、世の中には「わかってない」仕事も少なくないですよね。そういう仕事を世の中から減らして、ファンの悲しみを減らしたいっていうのが、僕が仕事をする上で大きなモチベーションになっています。

せっかく仕事をするなら、コンテクストを踏まえることで、ファンから「さすが運営！」と言われる仕事をしたいよね。

僕の場合、アニメ・ゲームの仕事をするようになってから、一般的な企業のコーポレートサイトを作る際にもコンテクストの重要性に目を向けるようになりました。普通の会社のWebサイトだからといって、会社の雰囲気が分かるだけでは十分じゃない。会社が持っている歴史や社員の想いといったコンテクストを表現することで、より深みのあるサイトとなるんです。

エンタメ系の仕事を手掛けるようになってから、宮川さんの中で仕事に対するスタンスは変わりましたか？

僕の場合、最近は企画から携わる場合が多く、Webに落とさなくていいという選択を意識するようになったのは大きな変化かもしれない。Webサイトを作るのではなく、インスタも使うし、紙媒体のほうがいい場合もある。音源を売る、ブランド価値を上げるといった目的に対して、MVにインタラクティブな仕掛けを入れることや渋谷に屋外広告を張り出してギミックを加えるという回答もあり得るなと。あくまでも、アーティストのコンテクストやキャンペーンの目的に沿っていることが第一だよね。

それは、宮川さん自身がWebに飽きてきたということも関係ありますか？

そうだね。2〜3年くらい前から、自分がディベロッパーとしてできることの範囲が見えてきた。今いるレベルから、これ以上スキルを積み上げていくには多くの時間を費やさなければならない。けど、僕の場合、自分よりできるディベロッパーを何人も知っているから、その人をプロジェクトに巻き込めばいい。そこで、自分としてはWebを突き詰めることではなくプランニングなどの工程にシフトしています。

ディベロッパーとしてある程度スキルを積んでいくと、次に行くためにはWebの知識だけではなく、数学や3Dを勉強しなければけないという局面が出てきますよね。僕も、それに一時期悩みました。そこで、宮川さんはプランナーとしてのスキルを上げているし、僕の場合はデザインのスキルを上げることを選んだんです。

それって、ゲームに例えば、パワプロ（実況パワフルプロ野球）の選手育成モードでパワーをSまで上げるのか、それともパワーはAでいいから肩や守備を上げるのか、というようなことだよね。

高度なテクノロジーを使いこなせても、それがアウトプットとして優れているかは別。Webのアニメーションであれば、動きを生み出すスキルだけでなく、その動きが気持ちいいかというセンスの部分も問われてきます。僕の場合は、テクノロジーを突き詰めることではなく、センスを磨くことに力を割き、別のクオリティの仕事をすることができるようにしているんです。

そろそろ、対談の締めとして、今後手掛けたい案件を言葉にしていきましょうか。

広瀬すずやガッキー（新垣結衣）との仕事がしたい！　3年くらい前からずっと言葉にしているんだけど、いまだに実現してない！

ピンポイント過ぎますよ（笑）。

言葉にする範囲が狭すぎるのもダメみたいだね（笑）。ただ今後、Webからどんどん離れていきたいと考えているかな。今は、ミュージックビデオやショートフィルムなど、映像の仕事を増やすようにしている。僕の場合、映像を監督するというよりも、スクリプトを書いたり、戦略を考えたりといった、プランニングの方向で映像を作りたいですね。

僕も、映像については関心があります。これまで、個人的にも音楽やイラストなどをつくってきたんですが、自分が持っているスキルを増やすためにも、動画も撮れるようになってバリューを発揮したい。DONGURIでは、2020年の2月からミミクリデザインと業務提携しているんですが、通常業務と並行して、彼らが行っているワークショップの撮影・編集をしています。もう一つ、手掛けたい案件は、アニメ・ゲームのブランディングに関わる仕事。これまではキャンペーンやコラボサイトを手掛けることが多かったんですが、もっとゲームそのものの魅力や世界観を紹介する仕事をしていきたいですね。

いま、4歳と0歳の子供を育てているのですが、子供ができたことによって、ますます好きなことを仕事にするという意識が強くなってきました。子供がいることで、独身時代とは異なり、仕事をする時間は限られているという現実に直面します。自分の場合、好きなのはものを作ることだし、そのなかでもエンタメ系のものづくりが好き。限られた仕事の時間を有効に使っていくためにも、積極的に言葉にしながら、好きな仕事に取り組んでいきたいと思います。

萩原雄太

五味利浩

永井大輔

ファンの悲しみを減らしたい。――monopo 宮川とDONGURI 永井が語る、“好き”を仕事にする流儀。

大内篤と、DONGURIに在籍する大久保潤也による音楽ユニット「アナ」。2019年3月に発売され、5年ぶりの新作となった『時間旅行』は、洗練されたキャッチーなメロディと、聴く人の心を揺さぶるセンチメンタルな世界観で、多くの話題をさらいました。

AvecAvecをアレンジャーに迎えリリースされた『必要になったら電話をかけて (2019ver.)』も、その後にリリースとなったアルバム『時間旅行』も。アートワークを手がけたのは、DONGURIのクラフトマンチームでした。

アーティスト活動を続けながら、会社員としても仕事をする。クリエイティブのスキルを活かして多彩に活躍するアナの二人が、どのように今回のコラボレーションに挑戦したのでしょうか。

その歩みを、アナとDONGURIのクラフトマンチームに聞いてみました。

アーティスト活動で発揮しているスキルを、ビジネスにも活かす。

アナのお二人は、アーティスト活動と並行しながら、企業での仕事もされていますよね。音楽以外の仕事を始めたきっかけは何だったのでしょうか？

僕がDONGURIにジョインしたのが2014年ですね。きっかけとしては、もともとDONGURIには別のミュージシャン仲間が在籍していたんですよ。その人と一緒に音楽仕事をしたり、プライベートでもよく遊んだりしていて、その流れで「一回DONGURIに遊びに来たら？」って言われたのが最初ですね。

大久保

現在、大久保さんはDONGURIでコピーライターとして仕事されていますよね。

そうですね。最初は本当に遊びに行ったという感じだったんですが、ミナベ（DONGURI 代表）が、アナの作品を見て面白がってくれて。それで、「コピーライターとして入りませんか？」っていう話があって、ジョインしたっていう感じですね。

コピーライターとして仕事をしていこうと決められた理由はなんだったのでしょうか。

もともと憧れていた職業だったんです。学生時代、僕自身の進路として「将来何になりたいか」って考えたときに、ミュージシャンかコピーライターか、という二択でミュージシャンを選んだっていう感じで。ただ、ミナベには後から「正式に面談したときにも、一回も目が合わなかった」と言われたりしましたね(笑)。当時の僕はビジネスパーソンとしての経験がまったく無かったので、“社長”みたいな人に苦手意識もあったんです。もちろん、今は違うんですけど。コピーライティングの実績も特にあるわけではないものの、言葉が好きで、憧れの職業だったので、作品を通してそういう面を見てもらえたのは嬉しかったですね。

大内さんは、アーティスト活動と並行してどのような仕事をされているんでしょうか。

僕はデザイナーとして勤め始めたんですが、時期としては大久保と同じくらいのタイミングでした。現在のセカンドロイヤルというレーベルに移籍する前くらいに、自分たちでインディーズ活動している時期があったんです。そのとき、アナのTシャツとかの物販グッズを担当してくれているデザイナーさんがいて、その方の紹介がきっかけでした。

大内

もともと大内は、アナのWebサイトのデザインとか、自主制作の頃のCDジャケットのデザインとかやっていたんですよ。

今もWebサイト制作を中心に、受託での制作や、自社メディアの制作なども担当しています。うちの会社の代表が、困っている人を助けるのが好きな人なんですよ。なので、DONGURIさんのお手伝いをしたこともありますね。

僕も大内も、アーティスト活動の中で発揮していたスキルを事業でも発揮していっているっていう感じですね。

いわゆる“二足のわらじ”という感じだと思うのですが、企業の仕事をされていくようになってから、作品についてどのような変化がありましたか？

アナに関しては、あんまり変わっていないつもりなんですけど。ヒップホップアイドル「lyrical school」のプロデュースもさせていただいているので、そういうプロデュース業では音楽に向き合う意識が結構変わりましたね。どうしたらこの子たちの魅力が伝えられるか？を考えながら作詞したり、とか。

いや、まあでもアナについても変わったよ(笑)。いい意味でね。自分が気づいてないなら、それはそれで全然いいことだとは思ってるんだけど。変に意識して変えようとしたっていうんじゃなくて、自然にそうなってるっていう。『必要になったら電話をかけて』を聞いたとき、僕の中で「大久保、やっとこういうのできるようになったんだ」みたいな驚きがあったんですよね。今まではその、個人の想い、大久保の想いを、こう……ずっと聞かされて見せられて、みたいな(笑)。

いやまあでも、本当にそうなんですよ(笑)。それがアナの魅力でもあって、だから逆に「みんなに自然に伝わるもの」っていうより、ちょっとひねくれてるようなのが多かったんですよね。『必要になったら電話をかけて』は、もう誰が聞いてもいいねって思える、スッと入ってくるようなものが生まれたなって思いました。あの曲を作ったのがいつ頃だったっけ。

2015年、つまり仕事を始めてからだと思うんですけど。あの曲を聞いたときに、僕は結構、大久保は変わったなって思ってましたよ。

大内が言うように、僕が音楽で表現しているのって、すごいプライベートなことなんですよね。失恋して、それを曲にしてっていう。今まではあくまでも自己表現、自己完結の世界だったんです。でもDONGURIでの仕事は組織とか事業の課題を解決するというものなので、クライアントがいてユーザーがいて、その人たちに伝えるには？っていうところを考えていくことになるんですよ。そういう目線が持てるようになったのは、今回の作品でも確かにありましたね。それまでは曲を作っても、「別れた恋人に聞いてもらえたらいいのにな」くらいの感じだったんです。でも今は作品を出しても、ある程度多くの人たちに聞かれないと意味ないって思ったりするようになって。そのためにどうしたらいいのかっていう視点、作った後の視点が持てるようになったんですね。

本当に自然にいい意味で、普通の感覚がわかっていったっていうところだと思うんです。

ああ、そうだね。そういうことなんだと思う。なんかDONGURI入る前って、いわゆるミュージシャンらしいというか、反骨精神みたいなところから物を産み出していたんですよね。例えば、金銭的に苦しい時期があってもそれもバネにして曲を作る、みたいな。今もそういう、ネガティビティを原動力にするところはあるんですけど。仕事をするようになってから、いろいろな人と接する機会が増えたんですよね。ミュージシャンとして活動するだけでは出会えなかった人たちでもあって。普通に生活を送る人の感覚もわかってきたっていうか、その辺がナチュラルにクリエイティブに反映させられるようになったっていうところがあるんだと思いますね。

「いつも一緒に仕事をしている仲間と、作品を生み出したい」

2019年にリリースしたアナの7inchシングル『必要になったら電話をかけて(2019ver.)』、ミニアルバム『時間旅行』では、MVやアートワークの制作をDONGURIが担当していますね。アナとDONGURIのコラボレーションはどのような経緯で生まれたのでしょうか？

DONGURIに入ったときから、せっかくクリエイティブのメンバーが近くにいるので、いつか一緒にできたらいいなあってずっと思っていたんです。今までは、ジャケットデザインとかMVとか、自分たちが10代20代の頃に憧れていた、どちらかというと先輩方と仕事をしてきたんです。でも今回は、参加してくれたミュージシャンもDONGURIのメンバーも30代前後で、第一線で活躍する同世代なんですよね。同世代、いつも一緒に仕事をしている仲間と作品を生み出したいっていう願いが叶った形ですね。

アナにとっては5年ぶりとなるリリースでしたが、なぜこのタイミングでのコラボレーションになったのでしょうか。

僕と大久保もアーティスト活動以外の仕事をするようになって、毎年作品をリリースするっていう感じでもなくなっていって、リリースすることが大きなイベントになっていたんです。

なんか時代的にも、音楽の流通がサブスクリプションとか配信にどんどん変わっていってるじゃないですか。CDを作るのが最後になるかもしれないっていうのが僕たちの中にあって。だからこのタイミングを逃さずに、今一緒にやっておきたいなって。ちょうどCDのジャケットやアートワークに影響を受けてきた世代でもあるので、せっかくならそういう同世代の仲間と一緒に作ってみたいなって思ったんですよね。

DONGURIとしても、MV制作は初の試みですよね。

そうですね。なので、普段の仕事とはまた違った面白いものが作れるんじゃないかなって思って。最初に依頼したのが『必要になったら電話をかけて (2019ver.)』のMV制作でしたね。

新しいアレンジでリリースするのは決まっていたので、まだその音源も出来上がる前の段階で。原曲を渡して、これの新しいバージョンのMVをお願いします、多分尺は同じくらいです、っていう感じで依頼しました。まあでもその流れでイラストとか描くだろうし、ジャケットも一緒にやってくれるんじゃないかな？ っていう思惑もありましたが(笑)。

そのオーダーを受けて、DONGURIとしてはどんなところから制作を進めていったのでしょうか。

オーダーをもらった後、結構すぐにジャケットも作ろうっていう話になりましたね。思惑どおりというか(笑)。アサインとしては、大久保がプロデューサーで、僕と永井、今市、中園っていうクラフトマンチームのメンバーで担当することになって。音源が来るまでの間に、メンバー内でMVのクリエイティブのコンセプトを話し合っていく、っていうのが最初でしたね。

五味

大まかなコンセプトとして、撮影するのかイラストにするのか、アナのメンバーは出演するのか、とかですね。

今回のアートワーク制作の取り組み方について、今までとの違いはありましたか？

明らかに違うのは、ブランディングの考え方が加わったことですね。今までアナでやってきた制作だと、楽曲がある程度できていて、作品のテーマだけ伝えてクリエイティブするっていうのが多かったんです。でも、僕たち二人とも仕事を始めたおかげっていうか。アナが今までやってきたのはこういうことだから、楽曲のアーティスト性みたいなところは守りつつ、より多くの人に聞いてもらうためにこういう層にアプローチしたい、みたいな話をしていたんですよ。これって、ブランディングとかの作業にすごく近いことでもあるんですよね。アナでそういうことをちゃんとやったのは初めてでした。

DONGURIのプロジェクトで実践しているブランディングのアプローチが加わっているということですね。MVのコンセプトはどのように決まっていったのでしょうか？

最初に決まったのが、イラストを使うということと、女の子を主人公にしようっていうところでしたね。そこから、イラストのタッチを決めるためのラフ制作を始めていきました。

新たに聴いてほしいターゲット層のペルソナだったり、世の中の流れだったりを踏まえて、今見てもらえるイラストってこういうタッチだよねとか。今回、クリエイティブのメインのプロデュースは大久保で、最初にMVの絵コンテを作ったのも大久保なんです。

とてもストーリー性のあるMVなので、絵コンテはどなたが担当されたんだろうって思っていました。大久保さんだったんですね。

楽曲自体が自分の体験から生まれているので、僕自身の実体験なども織り交ぜつつ、基本の絵コンテを出したっていう感じですね。

大久保の絵コンテ案を踏まえて、歌詞の世界観に合わせてストーリーをブラッシュアップしていったっていう感じでした。流れとしてこのカットの順番を入れ替えた方がいいとか、こうしたほうが画的に映える、みたいな。言葉で説明するよりも映像で見せた方がわかりやすいかなと思って、Vコンも作りました。その頃にはアレンジされた新しい音源も出来上がっていたので、イラストのラフを描きながら、主人公の女の子が紡ぎ出すストーリーを歌詞の世界観に合わせて詰めていったって感じですね。

イラストの資料として、永井がいろんな写真をたくさんSlackに送ってましたよね。

ああ、そうですね。髪型の写真とか。

たくさん送られて来るので、「髪型しか送ってこない」みたいな疑惑を抱いていました(笑)。

そのとき細かく説明してなかっただけで理由はあるんですが(笑)。アナって女性ファンもとても多いので、男性から見たフェチとか好みだけで終わらせるのではなくて、女性から見ても好感度が高い、かわいいっていう印象のキャラクターデザインにしたかったんです。

永井の言うとおり、アナは女性のファンの方が多いんですよ。で、今回新たに聞いてほしい人たちが、まさに永井みたいな層で。若い世代でネットカルチャーに強くて、っていう人たちに是非聞いてほしいし、アナの魅力も伝わるんじゃないかなって思ったんです。なので、永井のアサインとしてはクリエイティブディレクターっていう肩書きなんですけど……。

髪型とか服装とかに茶々入れるっていう(笑)。

そういう細かいところも含めてディレクションしてもらったって感じですね(笑)。

MVのイラストそのものもそうなんですが、モーションや背景の書き込みもすごく凝っていますよね。

キャラクターデザインが決まった後に、人物の細かい動き、線の太さとか揺らぎとか塗りの感じとか、細かいところのニュアンスを簡単なGIFのプレビューですり合わせたりしていきました。背景については中園が書き込みを担当してくれたので、僕はキャラクターの書き込みやモーションの演出に集中できたっていうのがありました。

あと背景については、僕たちが福岡出身なので、福岡タワーや大濠公園を背景に入れてもらったり。

自分たちが実際に生活していた場所を多く入れてもらいましたね。

映画館のシーンでは、上映されている映画も指定して入れてもらいました。

あれ、気になっていました！ 何の映画なんでしょうか？

『エターナル・サンシャイン』の一場面です。あと、MVのラストシーンのところで、最後に電話がかかってくるのか？っていうところもいろいろ話し合いましたよね。

女の子が部屋から出て、ベッドにスマートフォンだけが残されているシーンですよね。

あ、そうそう。大久保の最初の絵コンテでは「電話がかかってくる？」という疑問形で、はっきりとした結末は描かれていなかったんです。

その後に五味の方で、かかってくるっていう案でVコンを作ってくれたんですけど。僕がそれに対して「かかってくるわけないでしょ！」と(笑)。

そういう感覚の違いはありましたね(笑)。

やっぱり「電話がかかってくる」っていう答えが出ちゃうと物語が終わってしまうと考えたんですよね。かかってこないっていう終わりにすることによって、かかってくるかもしれないし、こないかもしれない、っていう解釈の余地を持たせることができると考えたんです。シュレーディンガーの猫じゃないですけど。あと、この曲って切ない曲でもあるので、ハッピーエンドで終わらせたくなかったっていうところもありましたね。

「かかってこない」まま終わることで、最終的には収まりもよくなったなって思いますね。

タイポグラフィで、いかに作品を引き立てるか。

『必要になったら電話をかけて（2019 ver.）』のMVやジャケットに使用されているタイポグラフィは、どのように生まれたのでしょうか？

歌詞の世界観やMVのストーリーとして、過去に想いを馳せるというところが共通しているので、人の記憶の「おぼろげな感じ」を表現したいというところが起点になっています。「要」の字を縦に「あな」と読めるようにしたり、アナへのリスペクトや遊び心も加えていますね。

今市

ミニアルバム『時間旅行』については、どのようなコンセプトでアートワークを制作されたのでしょうか。

まず『時間旅行』っていうタイトルについては、僕が曲を書くときに過去の経験や風景を思い出すことが、旅行するみたいだなって感じたところから来ています。昔は悲しい出来事から抜け出すために曲をつくってたんですけど、今は大人になったからか、悲しみを俯瞰する感じに近くて。こんなことあったなあ、あの人どうしてるかなあっていう記憶巡りのような感覚になってきているんですよね。聞いた人もそういう気持ちになってくれたらいいなあ、っていうのがアルバム全体のコンセプトとしてありました。

音楽を聴いてる女の子っていうアイディアはそのあたりから出てきてますね。

このイラストも、五味さんが描かれたんですよね。なぜ『必要になったら電話をかけて』とタッチを変えたのでしょうか？

伝えることが違うのであれば思い切り変えてしまおうっていう理由ですね。『時間旅行』というタイトルなので、少し時代を感じさせるような、80’sを回帰するレトロタッチなアプローチに変えてしまおうと。

収録予定の音源を聴かせてもらったときに、今までのアナとは方向性が違うなって思ったんですよね。いわゆる渋谷系なポップさから、ヒップホップの要素もある今時のサウンドになっているなって思っていて、そこから方向性を調整していったっていう感じですね。

その流れで、五味からセル画っぽいタッチのアイディアが出てきて。

僕たちがCDを聞いてきた世代で、CDを作るのが最後になるかもしれないっていう中で、コンセプトにも合うなあって感動してました。あと、「これなら売り場で埋もれないよね」「目を引くよね」って大久保と喜んでましたね。

もう少し背景を描き込んだバージョンとかもあったんですよ。でもイラストのジャケットって多いので、それだと埋もれてしまうかもしれないっていう話もして。最終的にはだいぶシンプルな形になりましたね。

『時間旅行』のタイポグラフィはどのようなアイディアから生まれたのでしょうか？

『時間旅行』なので、タイムトラベル的なわくわくするニュアンスも少しだけ混ぜてみようっていう考え方で作り始めました。「間」の内側が少し時計っぽく見えたり、斜体にすることで少しスピード感を持たせたり。ブックレットのデザインでも、当時の写植機を使って印字しています。

え、写植機を実際に使われたんですか？

はい。写植機って、パソコンが普及するよりも前の時代に主に使われていた文字を印字するための機械なんですけど。原理としては文字板というガラスのプレートに光を通し、写真を撮るように文字を印字紙に印字するものです。写植時代の書体を選択することで、アルバムの「80年代」というコンセプトがより強くなると考えました。

タイトルや外装ラベルには「ゴナ」、歌詞には「石井中ゴシック」という書体を主に使用しています。

なぜ、その2つの書体を選んだのでしょうか？

80〜90年代のCDや雑誌で実際に使われていた書体だからです。普段僕らがパソコンで使うようなデジタルの書体は、平成に入ってから普及し始めたもので。当時はそもそも、こういう写植用の書体や活版印刷用の書体でしか印字できない時代だったんですよね。この写植用書体はまだデジタル化されていなくて、今後も搭載されるかどうかわからないんです。なので、当時のレトロな雰囲気を出すのに打ってつけだったと考えたんです。タイトルには「ゴナ」を、歌詞の方はアナの世界観に合う、可読性の高い書体として「石井中ゴシック」を使いました。ガラスの文字板は主に60〜70年代に使われていた手動写植機のもので、その後に電算写植機に移行していくんです。実際にはコンセプトの年代と合わせた80’sの、電算写植機の印字手法を採用しています。

イラストの人物の実在性を感じさせる演出を。

書体のみならず、印字手法まで時代に合わせていたんですね。ジャケットのデザインは特設Webサイトでも踏襲されていますが、Webに関してはどのようなコンセプトがあったのでしょうか。

ジャケットの雰囲気やレトロな世界観に合わせて、いわゆるWebらしいアニメーションはなるべく排除しようと思って。例えばローディングに関しても、フェードインだったりとかイージングの気持ちの良い動きとかではなくて、フレームレートを落としたレトロな演出にしています。

プロモーション

ファンの悲しみを減らしたい。――monopo 宮川とDONGURI 永井が語る、“好き”を仕事にする流儀。

「働く」ことで生まれた、新たなアーティスト活動の形――アナ『時間旅行』アートワークプロジェクト。

分断された組織の知を、
ひとつに編み直す。

プロモーション

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