本インタビュー企画では、ミミクリデザインのメンバーが持つ専門性やルーツに迫っていくとともに、弊社のコーポレートメッセージである「創造性の土壌を耕す」と普段の業務の結びつきについて、深堀りしていきます。第10回は、ミミクリデザインでディレクター兼デザイナーとして活躍する猫田耳子（&nbsp;<a style="color:inherit;background-color:transparent" href="https://twitter.com/mimicocco" target="_blank" rel="noopener noreferrer">@mimicocco</a>&nbsp;）です。グラフィックデザインからファシリテーション、ワークショップデザインと領域にとわられない多彩な働きを見せる猫田ですが、インタビューを通して、その背景には”人に寄り添う”ことを大切にする一貫した姿勢が見えてきました。また、「創造性とは何か？」という容易には答えの出ない深い問いに向き合う上で、示唆に富むお話も随所で展開されています。ぜひご覧ください。（聞き手：水波洸）

研究者たちとの交流を通して、徐々にデザインの道へ

インタビューされるの、めちゃくちゃ苦手なんですよね。

猫田

自分の写真や発言がかっちょいい感じでネット上に残り続けることに抵抗があるんですよね...。なんというか、「バタフライ・エフェクト」ってあるじゃないですか。蝶の羽ばたき程度のわずかな気流の変化が、廻り廻って南半球で嵐を引き起こすこともある、ってやつ。わたしは多分、その最初の蝶の羽ばたきのようなことをしていたいんですよね。最終的に起こっている嵐が注目を集めることはあっても、起点となる蝶がいつ何処にいたかは誰も気にとめない。そんなふうに、あんまり顔とか名前とか残していきたくないんですよ。世の中に名を残す人になるというよりも、その人の周辺で何かができるような人でありたい、みたいな。そういう生き方が性に合ってるんだと思います。

現在猫田さんは、前職に引き続きデザイナーという肩書きでありながら、ワークショップのファシリテーションやプログラムデザインを担当するなど、マルチに活躍されている印象を受けます。デザイナーとして活動し始めるまでには、どういった経緯があったのでしょうか？

元々アーティストになりたかったんですよね。オノ・ヨーコが高校時代から好きで、彼女のようなインスタレーション作品やコンセプチュアルアートを扱うアーティストになりたかったんです。それで、ムサビ（武蔵野美術大学）の映像学科・メディアアートコースというところで学び始めて、空間を使ったインスタレーション作品の制作などのアート活動をやっていたのですが、もちろん食べていけず...。その時に、当時わたしが住んでいたシェアハウスの同居人たちから、「ムサビ出身ならデザインもできるでしょ」みたいな感じで、デザインの仕事を依頼されるようになったんですよね。
そんなふうに身近な知り合いからデザインの仕事を請け負っているうちに、冒頭で話したように、わたしは自分の言葉を残すことに抵抗のある人間で、それだと表現活動にはあまり向いてないかもしれない、と気がついて。どちらかというと、世の中に何かを伝えたい・届けたい誰かがいて、その人から話を聞きながら、編集やビジュアライズを通して、モノとして見えるかたちに落としていくほうが、自分にはよっぽど向いてるなと思い始めたことが、いろんな意味でスタートだったように思います。

猫田さんは、ミミクリデザインCEOの安斎とは旧知の仲だと聞いています。

そうですね。シェアハウスの同居人に共通の知り合いがいて、安斎さんが修士2年くらいの時にはじめて会いました。7・8年ほど前でしょうか。思い返してみると、今わたしがミミクリデザインに入ったことには、安斎さんだけでなく当時の様々な出会いが影響しているのかもしれません。

わたしは美大出身で、いわゆるアカデミック領域で行なわれる研究活動には、在学中、一切触れてこなかったんですよね。だけど、シェアハウスの人から仕事を受けるうちに、安斎さんや安斎さんの周りの研究職の人たちと交流することが増えてきたんです。研究の実践に伴走させてもらったり、デザイナーとして学会発表用のポスターのデザインを担当させてもらったり。中でも特に印象的だったエピソードとして、安斎さんの一つ先輩の池尻良平さん（現・東京大学大学院情報学環 特任講師）という方から、「論文に載せる図がうまく描けないからちょっと相談に乗ってよ」と言われて、友人として話を聞く機会がありました。たしか、歴史の教材に関する研究だったと思います。
それで、当時はインフォグラフィックがちょうど話題になり始めていた時期だったので、インフォグラフィックを活用すれば、研究で明らかになった知見を、専門家だけでなく世の中にも広く知らしめて、裾野を広げていけるのではないか、と提案してみたことがあったんですよね。そしたら池尻さんは「インフォグラフィックは、確かに今の世の中の人たちに広く伝えようと思ったら有効で、良い方法だと思う。でも、研究者が論文を書くのは、200年後・300年後の人たちにとって意義があるものを残そうとするからなんだよね。スマホやパソコンをインフォグラフィックで描いたとしても、後世の人たちにとってはわかりづらい図表になってしまうかもしれない。だから、丸や四角といった最大公約数的な記号で図を作る必要があるんだ」という話をしてくれたんです。それを聞いた時に、何百年後の人に向けて何かを作るだなんて、そんな時間軸でものづくりを考えたことがなかったから、ものすごく衝撃的だったんですよね。研究者はそんなふうに日々の時間の捉えているのか、と驚かされて。

それで、その経験からある程度年月が経った今、前職のデザイン事務所もすごく好きだったんだけど、ミミクリデザインには研究しながら働いている人が何人もいて、そういう時間の捉え方もできる環境なのだろうと思ったことが、わたしがミミクリに入った大きな理由のひとつでもあります。自分がまだあやふやで、何者かもわからなかった時代に、研究者の人たちとたくさん会ってしゃべったり、時々研究に参加して論文を見せてもらったりしたのは、とても大きな経験だったな、と。

ある男の子の学びの過程から、「創造性の土壌を耕す」を体感した

これまでミミクリデザインのメンバーとして担当してきたクライアント案件の中で、印象的だったものはありますか？

株式会社バンタンさんのスクールで「創造性開発プログラム」のカリキュラム設計と運営を担当した案件は、テーマとしてミミクリデザインが掲げている「創造性の土壌を耕す」とダイレクトに関連するものであったことと、わたし自身が「創造性の土壌を耕す」というのがどういうことなのか、具体的に体感できた気がして、印象的でした。

案件の概要を簡単にお話してもらっても良いでしょうか？

株式会社バンタンさんが運営するクリエイティブ系のスクールには、デザイナーやゲームプログラマー、パティシエ、美容など、いろんな専門職を目指すためのコースがあります。ただ、技術を教える授業は充実している一方で、その根源となる創造性の育成にもっと力を入れたほうがいいのではないか、という問題意識を抱えていたそうです。そうした経緯から、2017年にミミクリデザインに授業の設計と実施の依頼があって、私は2年目のスタートから関わり始めました。

「『創造性の土壌を耕す』というのがどういうことか体感できた気がした」というお話でしたが、どういった場面でそう感じたのでしょうか？

授業を通して見てきた、ある男の子の変化が印象的でした。その子は、元気だし、授業も真面目に出席するけれど、最初のアイデアは、それほど特別に目を引くものではありませんでした。それが、何がきっかけだったのか、授業を重ねていく毎にアイデアがどんどんアーティスティックな方向に発展していったんです。

どのようなアイデアだったのでしょうか？

「考える水」というタイトルの作品で、町の中に小さな泉を設置する、というものでした。その理由について彼は、「突然謎の泉が置かれていたら、町の人は違和感を抱きますよね。その違和感をきっかけに、何か考えることを起こさせたいんです」という話をしていて。

問題解決ではなく、問題提起のアイデアだった。

そうです、そうです。「『考える水』は、水が考えるんじゃなくて、あなたが考えるための水で、それを僕はデザインとして作り出したいんだ」という話でした。スクールの方針として、基本的にビジネスに結びつく力を育てたいという考え方がベースにあるから、そういう意味では今回のアイデアにあまり良い評価はつかなかったのですが、彼個人の学習に限っていえば大きな変化があったように見えたので、強く印象に残っていたんですよね。
それで、全授業を終えたあと、来年度の授業に向けて学生さんを3人選んでインタビューをさせてもらう機会をいただいたので、その中のひとりに彼を選ばせてもらったんです。どうしてそんな変化が生まれたのかを知りたくて。そしたら、インタビューを進めていくうちに、ある授業でわたしが「『ついやってしまう』体験のつくりかた」という元任天堂の企画担当者の方が書かれた本を、学生たちに紹介しようと思って教室に持っていった時の話になったんですよね。
その男の子は、わたしが紹介する前からすでにその本読んだことがあったみたいで、授業が始まる前に声を掛けてくれて。その時はただの雑談で終わったのですが、後々インタビューで聞いてみたら、今回の授業を受けるまで本なんて一切読んだことがなかったらしいんです。だけど授業を通してアイデアを出すということに興味を持ち始めて、たまたまその本の存在を知った時に、はじめて自分で本を買ったんですって。そしたらそれがきっかけで本を読むことの面白さに目覚めて、「今はまた別の本を読んでるんですよ」とインタビューでは話してくれて。他にも、「町中でこういう良いデザインがあって...」と自分で撮った写真を見せてくれたりして。

聞きながら、なんか、感動しちゃったんだよね。これまで読んだ本の中で印象に残った部分を聞いてみたら、これも任天堂について書かれたある書籍の中で紹介されていたエピソードだと思うんだけど、心拍数を測るためにからだに軽く電気を流す機械がすでにあって、それを任天堂が「相性占いができる機械」として売り出したそうなんですよね。そのアイデアの何が良かったのかと彼に聞いたら、「実際相性占いをするためには、自分がいて、好きな人がいて、自分と好きな人が手を繋がなくちゃいけない仕組みになっている」と。その上で、「元々は単に電気が出る機械でしかなかったのに、”相性占い”と言い換えることで、好きな人と手を繋げるアイデアに生まれ変わるのは、めっちゃ面白いし、おもちゃとしてすごく良いアイデアだと思う」と熱心に語ってくれて、わたしはそれを聞きながら、「あんた、それ、意味のイノベーション*の話してんじゃん！」と思って。今回の授業では意味のイノベーションなんて単語は一切出してないんですよ。それでも、本質的な部分はちゃんと学んでいるから、また感動しちゃって（笑）

<blockquote>*意味のイノベーション ロベルト・ベルガンティ教授（ミラノ工科大学）が自著『突破するデザイン（原題： Overcrowded）』で提唱した、製品の機能ではなく感情や象徴としての「意味」を起点としたイノベーションを生み出すための方法論。「ユーザーへの共感ではなく、創り手個人の熟考から始めるプロセス」や「批判性を伴ったアプローチ」などが主な特徴として挙げられる。</blockquote>

そのような変化が起こった要因として、授業における猫田さん関わり方も少なからず影響しているのではないかと思いますが、ファシリテーターとして生徒と関わる上で、特に意識していたポイントは何かありますか？

意識していたというか、良くも悪くもそういう仕事のやり方しかできないというのもありますが、できる限りバイネームで接するように心がけていました。例えば、生徒たちから提示されたアイデアにフィードバックをする際には、そのアイデアが発想された背景には、どんな個人的なスタンスや思想があるのか、もっと言えば、これまでの授業での発言やベースとしている過去のアイデアが何か、ちゃんと見てあげた上でコメントを返すようにしていました。そうじゃないと、響くものにならないと思っているので...。通常の授業の時にも、必ず発表のときに自分の名前を全員に向けて言ってもらうようにして、まずは一人ひとりの名前を覚えるところから始めました。誰にも見せてないけど、学生シートみたいなのも作りましたね。

そういった相手の人となりを捉えながら関係性をつくろうとするスタンスは、冒頭で話してもらった、身近な人の手助けをするうちに、デザインに取り組むようになったというお話から一貫しているように感じます。

そうですね。でも、数回授業したくらいでわかった気になってしまうのもそれはそれで危険な気がするので、実は葛藤もあるんですけど。

「早くきれいな」創造性だけでなく、「深く潜る」創造性にも目を向ける

ここからはミミクリデザインの内側の様子についてお話を伺っていこうと思います。現在猫田さんは「butaiユニット」に所属されていますが、まずは簡単にどういうユニットか、お話しいただいても良いですか？

「butai」というユニット名は、シェイクスピアの「この世は舞台、人はみな役者だ！」という名言を由来としていて、ユニットリーダーの和泉（裕之）くんが名付けたんですよね。で、その由来のとおりに、人材育成や組織開発などの人と関わるクライアント案件を中心に担当しているユニットでもあります。ほかのメンバーの特色としては、和泉くんが「舞台映えしそう！」と言っていたのをよく覚えていて、なんとなく、個性派な役者が揃っている感じがしますね。人間として個性的というよりも、舞台に立った時に、なんとなく目を引く存在というか。あとは、しっかりと役割分担が決まっているというよりも、それぞれファシリテーターとして自立している人たちが寄り集まっているような印象があります。

猫田さんは他のメンバーと比べてどのような特性があると自分では感じていますか？

臼井（隆志）さんや、（雨宮）澪さんは、例えるならお祭りで音頭を取るタイプなんですよね。いまコロナの影響で対面でのワークショップができない状況が続いていますが、そんな状況でもオンラインでできることは何か我先に実験して、可能性を探索して道を切り拓いていく世界を創っていくタイプなのだとしたら、わたしはどちらかというとある程度作られた世界の外れの方でどうやったら楽しく遊べるかを考えているタイプというか。冒頭でも話したように、わたしは世間に向けて表立って主張したいメッセージがそんなにあるわけではないから、そういう立ち位置を選びがちなのかもしれないですね。

先日行なわれたミミクリデザインの全社会では、猫田さんが「もう少し、社内における創造性の認識の幅を広げていきたい」というお話をされていたシーンがありました。そのトピックについて詳しくお伺いしてもよろしいでしょうか？

全社会の直前に、「ポコラート全国公募」という公募展を見に行ったんですよね。そして、その中に「Negative capability -くつろいでいられる能力- 」というタイトルの作品があって。どういう作品かというと、重度の自閉性障がいを抱えたある男性に関する記録の展示で、その人は身の回りのこともできないし、言語も不十分なのだけれど、唯一好きな行為が、古いカセットテープをいじることで、ケースから出し入れしたり、長い紐を括り付けて、垂らして、回して、それをじっと見ていたりを何十年も延々繰り返しているんです。また、支援者の人たちの話では、たまに彼がカセットテープをいじる行為を他の人にさせて、その様子をそばでずっと眺めていることがあるそうなんですね。

展示では、彼が過ごしている様子と、支援者の人たちに対するインタビューを映した映像が流れていたのですが、支援者の方は、その行為を彼なりのコミュニケーションの方法として捉えていました。人と何かしらで関わろうとする術のひとつなのではないか、と。そして、特に印象的だったのが、「世の中のすべての人が、生きる上で言葉の海を泳いでいるとしたら、障がいを抱えた彼は、他の人みたいに早くきれいに泳ぐことは決してできない。その代わり、すごく深く潜ることはできるのではないか。私たちも、彼らが深く潜ることにできる限り付き合いたいんだけど、どうしても途中で息が切れてしまう。でも、彼らは、普段は深く潜ることで、たまに水面に顔を出して、誰も知らない宝物を持って帰ってきたりするんですよ」と、そのような趣旨のお話をされていたんです。
それを聞いた時に、あくまでわたし個人の印象ですが、ミミクリの中で語られている創造性は、まだ「いかに早くきれいに泳ぐか」というところにしか焦点が当たっていないような気がしたんです。早くきれいに泳ぐだけでなく、深く潜るような創造性も大事で、お互いを活かし合うために何ができるか、というところで思うところがあって、全社会では「創造性の認識の幅を狭めないようにしたいですね」という話をしました。小綺麗な締め方をするとしたら、そういった合理的ではないかもしれないけれど大事な部分もちゃんと見つめていけるような、自分であり、ユニットであり、組織であってほしいとは思いますね。

Twitterでは熱心なベイスターズファンとして知られていますが、どういうきっかけで興味を持ったんですか？

ベイスターズの元社長が書いてた、スポーツマネジメント・スポーツビジネスに関する本を読んで、面白いことやってるなと思って、ハマスタに実際に野球を見に行ったんですよね。そこから気づいたらファンになってました。Twitterだとただの野球オタクにしか見えてないと思うけど、もともと興味を持ったきっかけはそこなんですよ。「負けてもまたスタジアムに来たくなるデザイン」としてどういう工夫をしてるか、とか。今のミミクリの事業とも関連する話としては、組織開発の取り組みも、ベイスターズはずっとやってきたので。めちゃくちゃおもしろいんですよ。実は。インタビューでは話してないけど。そういう話ができればよかった！スポーツ案件、やりたいです！（笑）

水波洸

猫田耳子

田幡祐斤

田幡グリちゃん

人に寄り添い、深く潜るような創造性を掬いあげる（メンバーインタビュー・猫田耳子）

角川ドワンゴ学園は、WHO（世界保健機関）が提唱する「ライフスキル」やATC21sが提唱する「21世紀型スキル」を参考にしたオリジナル学習プログラムを開発・実践しています。2018年度には、<a style="background-color:transparent" href="https://www.learning-innovation.go.jp/verify/a0012/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">経済産業省「未来の教室」実証事業で計100時間分のプログラムの効果を実証</a>。これをもとに2019年度、N中等部通学コースに向けて50分単位の授業にカスタマイズし、2019年4月から実施。2020年4月からN高等学校通学コースとN中等部ネットコースにも導入されています。目指したのは、不確実で予測困難な時代をより良く生きていくためのスキルが身につく学習プログラム。開発に参画したミミクリデザイン和泉裕之、臼井隆志と角川ドワンゴ学園の園利一郎さん、為野圭祐さんが、プロセスと成果を振り返りました（※本対談は2020年3月の緊急事態宣言以前に実施・収録されました）。

計100時間のトライアルワークショップでN高生に起きた変化

これからの時代を生きる中高生に必要なスキルを、どのように定義されていますか？ 開発されたプログラムの内容とともにお聞かせください。

角川ドワンゴ学園N高等学校およびN中等部では、WHOが提唱するライフスキルやATC21sが提唱する21世紀型スキルを参考に、「自己の内面を認識し、多様な他者と協同／協働しながら正解のない課題に取り組むスキル」と定義しています。今回の一連のプロジェクトでは、こうしたスキルの獲得を目的として、基礎的なスキルを身につけるトレーニングプログラムと、デザイン的思考やアート的思考を身につけるプロジェクト学習を開発しました。

園利一郎さん（以下、園）

基礎的なスキルのトレーニングプログラムは3種類です。自己認識や、感情や情動に対処のスキルを身につける「MINDNAUT」（マインドノート）、他者と協同・協働するスキルを身につける「Collaboratory」（コラボラトリー）、答えのない課題に取り組むための創造的思考や批判的思考などのスキルが身につく「Everythink」（エブリシンク）。これらを含む総合的な教育プログラムの土台を築いていきました。座学では得られないワークショップならではの学びを、N高に在籍する多様な生徒向けにどうデザインするかという部分で、ミミクリデザインの知見を提供させていただきました。

和泉裕之（以下、和泉）

2018年度にトライアルとしてN高生を対象に計100時間のワークショップとプロジェクト学習を実施し、参加生徒の「自己認識」、「感情対処スキル」、「ストレス対処スキル」、「効果的コミュニケーション能力」、「対人関係スキル」についてのアセスメントでの変化や、「問題を設定し、解決する力」「ビジョンを生成し、アイデアにする力」の向上が確認できました*。

*経産省「未来の教室」実証事業｜<a style="color:inherit;background-color:transparent" href="https://www.learning-innovation.go.jp/verify/a0012/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">幅広く多様な生徒層へのよりよく生きる力を育むことができる「21世紀型ライフスキルプログラム」</a>

N中等部・N高校の生徒たちが、遊ぶようにスキルを身につけることができるプログラムの土台というか、足場はできたと考えています。

もともとは、どんなきっかけで、ミミクリデザインにお声がけいただいたのでしょうか？

N高校はネットを駆使したオンライン学習だけでなく、地方に滞在しながら職業体験やプロジェクト学習を行うスタディツアーなど、リアルでの体験学習にも開校当初から力を入れて取り組んでいます。僕も為野も、こうしたプログラムの運営として全国さまざまな地域で多様な高校生と関わり、多くの時間をともに過ごすなかで、多様な生徒の社会接続を後押しするためには中高生向けの能力開発プログラムが必要だと感じていました。

そうした背景もあり、認知行動療法やマインドフルネスストレス低減法、アンガーマネジメント、ソーシャルスキルトレーニング、オープンダイアローグなどを基盤にしたワークショップやプロジェクト学習をぼんやりと構想しはじめ、各領域の専門家をリサーチしてコンタクトしていたのですが、2017年の春頃、ひょんなことがきっかけで、当時から東京大学の特任助教としてワークショップや創造性の研究をされていた安斎勇樹さんのことを知りました。

安斎さんが当時開催していたワークショップデザインの講座を2人で受講して、「これだ！」と。

為野圭祐さん（以下、為野）

「全部受けたら学習プログラムの開発に協力してくれるかもしれない」と考え、3回似たような講座に参加し続けました（笑）

その時着目していた認知行動療法やマインドフルネスストレス低減法、ソーシャルスキルトレーニングなどは、中高生向けに設計されているわけではなく、そのままのプログラムに導入することは難しいと感じていました。そうした中で安斎さんのワークショップデザイン論に触れたことで、前述のプログラム群を、高校生に合ったワークショップとして設計し直すことができれば、教室の中でもスキルを身につけるプログラムができるのではないかと思えたのです。

為野

その時から安斎さんやミミクリデザインの皆さんにワークショップ・プログラムの設計をお手伝いいただきたいと思っていました。たしかその後すぐに<a href="https://mimicrydesign.co.jp/project/goto/">五島市のプロジェクト</a>でお仕事をお願いさせていただくことになり、それからすぐに能力開発プログラムについても相談させていただくことができました。

ロールプレイングゲームの枠組みや、アートの要素を取り入れたトレーニングプログラムの設計

基礎的なスキルの獲得を目的に設計したトレーニングプログラムについて、詳しく教えてください。

例えば「Collaboratory」では、社会で必要とされる協働やコミュニケーションに関する社会技能について実験的に学び、身につけることを目的に設計しました。その際、ソーシャルスキルを中高生が遊戯的に発揮し、身につけていくための工夫として、RPGを模した”枠組み”を作り、「自己を理解し、他者と協働しながら課題に取り組んでいく」ストーリーの中で、協働やコミュニケーションについて学んでいくワークを採用しました。

和泉

設計において、どのような点を重要視されたのでしょうか？

一般的なRPGでは、「大ボスを倒す」という目的に向かって一直線にストーリーを進めていきますよね。でも、僕らの人生はそんなに単純ではありません。「大ボスを倒す」ような感覚で、何か大きなことを成し遂げたいと考える人もいるかと思いますが、最初の街で家族と幸せに暮らしたいとか、旅すること自体が目的で、いろんなことを経験したいという人もいるはずです。

「Collaboratory」では、RPGの枠組みを用いながらも、そうした人生における選択の幅の広さの要素も取り入れて、「あなたは人生をどのようにつくっていきたいですか？」や「その中でどう他者と関わっていきますか？」という問いと向き合い、考えを深めていくプログラムを構成しました。

「Collaboratory」ではテーマとなる「他者との協同/協働」をRPGでのパーティー編成に見立てていた点が印象的でした。また、他にも、アート思考やデザインドリブンイノベーションをプロジェクト学習の中に組み込んだプログラムの設計もご一緒しました。例えば、”what to say（何を言うべきか）”を導き出すスキルを育てたいと考えた場合、多くの人は論理的思考の育成に目を向けると思います。しかし、論理的思考ではない部分で能力を発揮する中高生も一定数います。 

スタディツアーに参加してくれた生徒の中には、誰よりも早く膨大な量のイカを数えた生徒や、役場へのプレゼン資料作成時に黙々とイメージをイラストで表現する生徒、地域の方々との触れ合いで初対面から豊かな表情で溶け込む生徒、そして情動的な言葉で人を引き込む生徒など、論理的思考では説明がつかない魅力的なコミュニケーションスキルを持つ生徒がたくさんいました。彼らから、”何が生まれてくるかわからないけど、取り組む”という姿勢を起点とした価値創造もあるのだと気づかされました。そして、自分の中の衝動に近い感覚や解釈などから“What to say”を導き出せるようになることも重要であり、そのためにはアート思考の要素を取り入れることが有効なのではないかと考えさせられました。

自分の感覚が強いというか、社会や他者にそこまで興味が向かない高校生もいるんですよね。そういう高校生たちに、「社会課題を解決しましょう」とか「この企業に素晴らしいプランを提案してください」というような大人本位の目線で課題を出しても、議論に乗ろうとせずに離脱してしまいます。でも、「理由はうまくいえないけど、私はこれがいい」というような強い思い込みや妄想も、状況次第で良い方向に活かせると考えています。

そうですね。また、そうした背景から、「Everythink」の開発では、臼井さんにも関わってもらい、アート思考を取り入れたプログラムづくりを行いました。

臼井さんは、今回設計にあたって苦労したところやこだわったポイントは何かありますか？

設計にあたって僕が最初に気になったのは、すでに表現したいものが生徒たちの中で定まっていることを前提としたプログラム構成になりつつあるように見えたことでした。「”何かを表現しろ”と言われても、自分が表現したいものが何かなんて、分からない人のほうが多いよな」と思ったんです。

そこで、最終的には、まず対話型鑑賞でアート作品を見て解釈するワークから始めることにしました。次に、ランダムに引かれた線や、ぐにゃっと握られた粘土を自由に解釈する。それから、Pinterestを使って、自分が好きな雰囲気を集め、それに自分と他人の両方の視点から解釈を添えていく。最後は、絵と粘土とピンタレストをまとめて解釈する...というプログラムにしました。手を動かす中で自分が表現したいことが見えてくるプロセスをつくりたかったんですよね。

臼井隆志（以下、臼井）

設計にあたって、「中高生にどんな感想を持ってもらいたいか」と話し合ったことがあったのですが、その時は「つくって楽しかった」と「自分が意外とこういうの好きなんだって分かった」の2つが挙がりました。「『“好き”がわかると“つくる”が楽しい』という感覚が素朴に体験できるようなワークになれば良いのではないか」と。素材や環境との対話や、つくることと解釈することの往復の中で、見えてくるものがあるだろうという前提のもとで組み立てていきました。

加えて、上手い・下手の評価をしないことも重視しました。安易な評価は創造性を低下させる要因になり得ます。なので、評価を外すために、鑑賞するアート作品も、誰にも上手い・下手を判断できない抽象絵画を選びました。上手い・下手ではなく、他者が何を表現しようとしたのかを探っていく。“未満”の部分に思いを馳せられるかどうか、多義的な解釈があり得ることを楽しめるかといったことが、今必要とされている21世紀型スキルには含まれるのではないかと考えました。

臼井

それまで自由に考えていい授業なんてなかったのに、「自由に解釈し発想しましょう」という問いかけが中高生の前にいきなり現れる。生徒たちにとって、いい意味で衝撃的だったと思います。

効果実証ではじめて「Everythink」を実施した時、生徒たちからの反応が良くて、それがめちゃくちゃ嬉しかったです。生徒の動きが変わりました。普段は口下手な高校生たちが、口を動かすのではなく、手を動かすことで自己表現の手段を得たと思いました。これが自分たちがやりたかった「勉強以外の他の軸を入れる」っていうことなのかな、と見通しが立った感じがしましたね。

嬉しかったですね。与えられた課題に対して解決策を上手に組み立てることを得意とする生徒だけではなくて、そういうアプローチが苦手な生徒たちも自分の中から出て来るものをかたちにしていくことで輝いていました。社会に出ても、ロジカルに、デザイン的に思考することが得意な人だけではないですからね。

「多様性が大事」「個性が大事」などの標語は、重要だけれど形骸化しやすくもあり、今ひとつ生徒たちに響いていないように感じていました。それが、このプログラムで生徒自身が多様性の意味を体験的に感じ取ってくれたことで、意識が切り替わったように思います。
例えば、「今までにない新しい傘を創る」というお題が与えられた時には、付箋やスライド作成などのグループワークではなかなか発言ができなかった生徒たちがいました。ところがこの生徒たちは、同じお題で言葉ではなく紙粘土や材料を組み立てていくプログラムでは、誰よりも活発にワークし、プレゼンテーションでも情動的で参加者を惹きつける言葉で発表していました。そこに優劣はなく、言葉で考えるのが得意な生徒と、手を動かしながら考えるのが得意な生徒、両方の個性が発揮され、結果として生徒がお互いのよさを認められる場となりました。

社会接続を後押しするプログラム設計の要点と今後の課題

教育領域全体からみても先進的な取り組みをされているように思いますが、プログラムの社会的な意義についてはどのように考えていますか？

様々な課題が複雑に絡まりあい、絶対的な正解が見つかることのほうが珍しい現代社会においては、誰かすごい人が一人で頑張るのではなく、多様な人がそれぞれの強みを認識し、活かし合いながら解決の目を探っていくことが重要だと考えています。また、こうした協同的なコラボレーションは、今回のプログラムでも大事にされている要素でもあります。

教育制度全体のアップデートに繋がるかと言われると違和感がありますね。どちらかというと、新しい教育をつくるためにやったというよりも、通信制高校の生徒たちの社会接続を後押しできる能力開発をプロトタイプしたら今回のような取り組みになったという方がしっくりきます。

全日制高校では、学校側がそこまでデザインをせずとも、部活動や文化祭実行委員、生徒会などの活動や、休み時間、放課後の中で勝手に身についていくスキルがあります。でも、ネットの高校であるN高は一般的な高校と仕様が異なるので、ネットの高校なりにそうしたスキルを身につけてもらうための機会やプログラムをデザインしていかないといけません。ただ、今回のプロジェクトも含め、これまで積み重ねてきた通信高校ならではの課題解決のノウハウやプログラムが、将来的に教育全体でも活用できるものになるかもしれない、とは思っています。

カリキュラム化するにあたり、誰でもプログラムを実践できて、一定の成果を生み出せるようにする必要があったかと思うのですが、そうした部分で意識したポイントは何かありましたか？

まず、起こしたい学習の本質が何かを捉えることは重要ですよね。誰がファシリテーターであっても50分間のワークショップとして機能するために、活かすべき要素を見定め、できる限りシンプルに構成する必要がありました。

本質が見えていないとできない、というのは僕も賛同します。そのうえで、「誰がファシリテーターであっても実践できるように」という点に関して言えば、例えば演劇の戯曲の賞には、誰が出演しても成立する舞台であるという要件があります。演出家や役者の個性が引き剥がされてもなお物語としての強度を持っていることが必要です。それと同じで、授業の担い手の個人的な経験があまりにもべったり表れているようだと、属人性が高すぎる。

僕はスライドを台本だと思っていて、その台本と、最低限の舞台装置としての紙とペンと粘土、そしてスライドに書かれた言葉を、いかに強度のあるものにするかを考えました。極力ニュートラルな言葉を選ぶなどある程度、どの現場でも起こりうる普遍的な出来事を想定してつくり込むことを重視しています。

園さん、為野さんはいかがでしょうか？

僕は属人性を完全に排除する必要はないし、排除することはできないと思います。受ける側からしても属人性が出ている方が面白いんじゃないかなと思います。和泉さんや臼井さんのファシリテーションについてもそうですよね。プログラムのスライド以前に、目の合わせ方とか所作とか、ノンバーバルな部分からファシリテーターの思いが伝わってくるかどうかで、ワークショップの内容は全然違ってくると思っています。
本プログラムを未来の教室の内外で展開していく中で、ファシリテーター向けの講座を実施する等、実施者たちに対するサポートシステムがあるといいなと思っています。

トライアルの際、僕は生徒がどこまで指示やインプットを理解して動くのかという点を主に見ていたのですが、その時に足場かけがないと、ちょっと難易度の高いのプログラムかもしれないと思いました。一方で、プログラムデザインを綿密に行い、足場かけのワークをしっかり設けるほど、つまり属人性を排除していくほど、ワークショップならではの即興による力が失われるのではないかという次の課題が見えてきました。
このプログラムを実践する誰もが意図をすぐに理解できて、自分なりに挑戦できるプログラムにしようとすると、本来大事にされていたはずの「視点を変える」や「揺さぶる」という価値自体が排除されてしまうのではないかと思います。ワークショップだからこその「違う視点で物事を見て、気づける」という価値が、精緻にデザインするほど失われてしまうのではないでしょうか。僕はそういう危機感を持っていて、高校生への学習効果を最大化するための足場かけをしっかりやることと、ワークショプが持つポテンシャルを最大限生かしきることの両立が今後の課題なのかなと思っています。

前提として、ワークショップに足場かけは必要で、足場もなく崖を越えさせるようなことになれば、ほとんど誰もワークを完遂できず、崩壊してしまいます。でも、崖を全部埋めてあげたらいいものになるのかというと、そんなことはありません。ひとりだったら越えられないかもしれないけれど、チームでやったらもしかしたら一緒に飛べるかもしれない。1回目は無理でも２回目は飛べるかもしれない。基本的にはそんなふうに生徒の力を信じるスタンスが重要だと思います。その上で、「ここはさすがに足場がないといけないよね」というところにだけを適切なステップを用意して、プログラムを構成していく。そういうバランス感覚は大事なのだろうと思います。

そういう意味では、私自身がN中等部を担当して思うのは、生徒の課題や多様性について仮説を立て、一人ひとりの歩幅の違いを踏まえてカリキュラムを設計し運営しているものの、本当に全員の課題感を並べてみた時の全体像はまだ見えていないように思います。改めて生徒の課題をつぶさに見ていくことが大切だと実感しています。

ただ、先ほど和泉さんが「崖を飛び越えられるか」という喩えでお話されていましたが、極論、飛べなくてもいいのではないか、とも思っています。いくつかあるワークのうち、飛べないものがあってもよくて、できなかったらできなかったでそこから学べることもあるはずです。「できなかった」という結果をどう意味づけるかが重要で、時にはRPGの世界観の中で「それもあり」にしてしまっても良いと思います。
足場かけの話もそうですが、そのために必要な対話の姿勢が、従来の授業で去勢されてしまっているようにも感じます。もっともっと荒々しく、例えば葉っぱだけ渡して「これをモチーフに何か思いつくことがあれば、思いついた人から話してほしい」みたいな授業をやってみて、誰も発言しなくて5分間沈黙が続くヒリヒリするような感覚が得られたほうが、面白いし、学びに繋がることもあるよな、と思っています。

最後に、N高さんとして今後、ミミクリデザインとこんなコラボレーションをしていきたいなど、期待してくださっていることはありますか？

機能するフォーマットをつくるのと同時に、驚かせてほしいです。僕らが悩んでいるときにグッとずらしてくれるような問いや刺激を、ミミクリさんに一番期待しています。

当初構想していたプログラムづくりと実証の第一弾としては一段落したものの、まだまだ課題も多く、十分でない領域もあるので、引き続き開発にご協力いただきたいと考えています。

学力以外の価値軸を導入し、多様な生徒に、不確実で予測困難な時代を生きていく力を身につけるプログラムを提供したい。こうした角川ドワンゴ学園様の願いに応えるべく、ワークショップの可能性を最大限に引き出してプログラムの設計や監修をしました。検証の結果、一定の効果が確認できた「Collaboratory」（コラボラトリー）、「Everythink」（エブリシンク）、「MINDNAUT」（マインドノート）は現在、N中等部通学コースのカリキュラムから、N中等部ネットコース、N高等学校通学コースに広がっています。

和泉裕之

臼井隆志

生徒の創造性を引き出す学習プログラムを設計する –N高におけるワークショップ型授業導入の背景【対談シリーズvol.6】

価値観が多様化する社会のなかで、 結婚に対する意識や考え方が変化してきています。

株式会社ウエディングパークは、結婚式場やウエディングフォトスタジオ、婚礼衣装や結婚指輪選びなどのクチコミサイトを運営しながらも「結婚あした研究所」というオウンドメディアを立ち上げ、結婚式を挙げない「ナシ婚」や、結婚しない意志選択も肯定するなど多様化する価値観を様々な形で取り上げています。

2019年の夏に実施した、「わたしにとって、『結婚』って？」というワークショップでは未婚既婚を問わず集まった11人の女性が、結婚についてのそれぞれの考え方をディスカッション。

その模様が動画やグラフィックレコーディングで公開されると、十人十色な価値観のあり方が多くの共感を集め、話題になりました。

今回は、そのワークショップのプロジェクトについてウエディングパークと、共に取り組んだDONGURIのメンバーにインタビュー。

プロジェクト成功の裏側には、理念への深い共感から生まれる垣根を超えたチームワークがありました。

結婚を「誰かと共に生きることを選択する」という意思として、広義に捉える。

ウエディングパークさんは結婚式場などの口コミを扱う事業ですが、自社のメディア「結婚あした研究所」では、なぜ「ナシ婚」の話題なども肯定的に扱っているのでしょうか。

昨今いろんなメディアで取り上げられているように、かつて「結婚はするのが当然」という価値観が主流だったところから、現在「結婚は個人が選択する時代」に変化し、結婚式も自分たちらしい形へ、場所や形式、かける時間などを含めて、カップルそれぞれが自由に考えられるようになってきています。価値観が多様化しているなかで、「結婚を、もっと幸せにしよう。」を経営理念にしているウエディングパークが、「結婚」にかかわるすべての方をもっとサポートできることはないかなという思いで立ち上げたのが、「結婚あした研究所」でした。結婚に興味のある方や結婚している方だけではなく、結婚関連の仕事をされている方向けの情報も発信しています。

菊地

ウエディングを事業としながらも、多様化する価値観を肯定していくというのは、チャレンジングな試みのように思えます。

私たちとしては、あくまでも「結婚を、もっと幸せにしよう。」という経営理念に基づいているだけなんです。誰かと結婚に至るまでの過程も結婚生活も、幸せなことだけでなく、大変なこともあるのが自然です。「結婚」に関するすべてを追求して、「幸せな結婚とは何か？」を考え続けることが経営理念を真に実現するためには大切なのではないかと思っています。今回行ったワークショップは、「結婚あした研究所」で新しく立ち上げたコミュニティプロジェクト「#ふたりのカタチ」の取り組みの一貫でした。このプロジェクトでは、結婚を「誰かと共に生きることを選択する」という意思の表れとして広義に捉えています。

「#ふたりのカタチ」では、SNSでの投稿キャンペーンなどを通じて、さまざまな関係のあり方を紹介していますね。

このコミュニティは、“誰かと共に生きる毎日のカタチ＝「ふたりのカタチ」を、楽しく、素敵に、幸せにしようとしている方々を応援する”がコンセプトです。このコンセプトを実現するために、身近なカップルの事例を紹介していきたいと思い、SNSでエピソードを投稿してもらって記事化する、オンライン上のコミュニティとしてスタートしました。でも、いつかセミナーやワークショップのような、オフラインの企画もやりたいと思っていて。

ちょうどDONGURIさんにブランディングのご相談をしているなかで、ワークショップの事例を紹介いただいたんですね。「#ふたりのカタチ」を立ち上げて間もないときで、コミュニティのコンセプトを伝えていくっていう意味でもタイミング的にちょうどよくて。動画とSNSを活用してもっと多くの人に知ってもらいたい、というところから、ワークショップを動画化するプロジェクトが動き始めました。

瀬川

今回のワークショップは「わたしにとって『結婚』って？」というテーマでした。当日はどんなことを行ったのでしょうか。

パートナーがいる人いない人、結婚してる人してない人、合計11名の方に参加していただきました。2つのグループに分かれて、自己紹介をした上でまずは自分の人生を振り返ってもらって。結婚している方は出会いから結婚生活までの気持ちのアップダウンを折れ線グラフで書いてもらって。結婚していない方にも、これまでの人生で気持ちが変化したタイミングや、理想の出会い・結婚生活などをそれぞれ書いてもらい、グループでシェアし合いました。過去悩んでいたこととか、パートナーにして欲しかったこととか。既婚の方だと「プロポーズをちゃんとして欲しかった」という声が結構ありましたね。

その後は日常生活を過ごすなかでご自身が幸せに感じていることを書き出してもらいました。パートナーが仕事帰りに大好きなアイスを買ってきてくれて、それを一緒に食べるお話や、お笑い番組を見て笑うタイミングが同じというお話など、こちら側も聞いてて幸せになるような答えがたくさんありましたね。そして、最後に「わたしにとって『結婚』って？」っていう本題に入っていきました。

ワークショップの一連の流れを通して内省していただくような感じですね。「自分自身がどう生きたいか」と「結婚に対して求めるもの」って結構リンクしているので。自分にとって幸せが何かを理解することが、幸せな結婚に繋がっていくというか。

このテーマはどのように決まっていったのでしょうか？

DONGURIさんのファシリテートで、アイディア出しをしていくなかで決まっていきましたね。

最初に、人が結婚する前とした後で、どういう変容があるかっていうのを可視化してみたんです。結婚式や結婚後の情報って、結婚したことがない人にとっては接点がなくて。友達の結婚式に行ったことがあっても、自分のことがわからないというか。その情報の非対称性が結婚の意思決定の妨げになるのは良くないので、解消するためにも具体的に明かして、世の中に出していくというウエディングパークさんの事業はすごく有意義だと思っていて。

濱脇

「結婚は良いものだから、幸せなことだから結婚するべきだ」とかではなくて、こういう幸せな瞬間はあるんだけど、するもしないも自分の幸福観に合うかどうかで決めるのがいいね、みたいな。

ウエディングの事業をしている人たちがそういうふうに言えるのってすごくいいなって思うんですよね。

田島

そのスタンス自体がいいですよね。

プロジェクトのキックオフのときにすごいなと思ったのは、そもそもビジネスモデルがそうなんですよ。口コミがあるから、初めての結婚式場へも足を運べるというか。既婚者と未婚者にある情報の非対称性を解消して、みんながより幸福になっていくっていう。ビジネスモデルとやろうとしていることが一致していて、社会的に意義があることになっている。これにとても感動したんですよね。

なので、「結婚を、もっと幸せにしよう。」という経営理念を、結婚する人にも、結婚するかどうかわからない人にも伝えるためにはどうすればいいか、って考えていきました。

結婚って何がいいんだっけ、みたいなことをこのメンバーで話しましたよね。そのなかで印象的だったのが、濱脇さんの「お味噌汁」発言(笑)。

そうそう(笑)。結婚を決めた瞬間、意識した瞬間の話題で。プロポーズするときに「お味噌汁作ってください」って言うんですか？ 毎朝作ってもらうお味噌汁に、結婚の良さを感じるんですか？ って聞いたら、「いや、別に」って(笑)。このプロジェクトのメンバーで結婚したことないのが僕と大久保だけだから、なんでそんなに結婚が当たり前なの？って違和感がすごくて。結婚って何なんですか？ 何がいいんですか？ っていうのをいっぱい質問しましたね。

企画側に既婚・未婚の両方の視点があることで、フラットな目線で考えられたんですね。

僕とか本当に結婚がわからないから、自然にたくさん質問が出てきて。ファシリテートさせていただきながら、発見だらけで楽しかったですね。男女の結婚後の生活の考え方もまるで違うとか、結婚しない理由もすごい差があるというか。

“作り物”にしない。生の声だけの一発勝負で「伝わる動画」を作る。

そのときの発見をもとに、ワークショップを設計されていったのでしょうか。

ワークショップありきっていうよりは、アウトプットありきで設計していったところがありましたね。ウエディングパークさんがPR上手っていうところもあるので。

ワークショップはやるんですけど、最終的に動画にして、「#ふたりのカタチ」のメッセージだったり、ウエディングパークさんの活動とか思いだったりが当日の参加者以外の人にも届くようにしたいっていうのがあって。最終的なアウトプットは動画っていうのを考えた上でワークショップを設計していくのが肝というか、難しいところでもあったんですよね。

大久保

動画制作のプランニングと、ブランディングの観点からのワークショップの設計を同時進行で進めて、間でぶつかる点を探していきましたね。

ワークショップを動画で撮影して、いい感じの音楽つけて公開する、っていうのだと、単なる記録ムービーになっちゃうんですよね。参加者とか関係者は喜んでくれるんですけど、その場にいなかった人には何も響かないってなりがちなので。あくまで「最終的に何を伝えるか」っていうのを考えて設計していきました。

制作とブランディングの間で“ぶつかる点”を探していくにあたって、どのようなことを大事にしたのでしょうか。

3つ挙げるとしたら、1つ目は当日の参加者に本当に楽しんでもらうことですね。その場でいろんなことを感じてもらって、作り物じゃなくリアルな盛り上がりを作りたかったっていうのがあります。2つ目は、動画にしたときにその場にいなかった人にも伝わる内容であるか。3つ目が、そのときのワークショップで出た内容がウエディングパークさんで後々活用されていくものであるかっていうところですね。今挙げた3つのどれにも振り切ってないっていうのが、大久保の言う難しさなのかなって思います。リサーチでもないし記録ムービーでもない、バズムービーでもない。菊地さんも瀬川さんも「嘘をつきたくない」って言っていたので、そのバランスはすごく大事にしました。

動画制作でよくあるのは、しっかり絵コンテを作って、参加者の方に協力してもらいながら、なるべく自然な形でこちらが想定した言葉や表情をコンテに沿って撮影していくっていうのが一般的なんですよね。今回はそうじゃなくて、参加者の方には自由にワークショップを楽しんでもらって、撮影した動画ではしっかりと伝えること伝えなきゃいけないっていうのが、難しかったところですね。最初は結構ほんとに「できるわけない」くらいに思ってました(笑)。

クリエイティブの観点で言うと、難しい作り方なんですよね。中途半端になりそうで。

そうなると、「当日にならないとわからない」要素がたくさんあったんじゃないかなと思います。事前の絵コンテはどうやって作ったのでしょうか？

メッセージの趣旨として「#ふたりのカタチ」って、いろんな関係性のあり方を肯定するっていうものなので、最終的に、結婚ってこうです！ っていう1個の答えが出ないものの方がいいと思ってて。映像としては最後に参加した人みんながそれぞれの答えを出して、十人十色っていう見え方にしたいとは考えていました。実際そこで何が発話されるかは当日にならないとわからないけど、こういうテーマで話してもらって、おそらくこういう答えが何パターンか出て来て、みたいなのを想像しながら絵コンテを描いていきました。「この人とこの人を撮るけど、何を言うかはわからない」みたいな、あくまで架空のコンテにして。それが難しかったところですね。

「ワークショップ編」の動画で、最後に皆さんの笑顔とそれぞれの答えが流れるシーンがとても印象的でした。

実際にワークショップ後に撮影したんですが、長時間のワーク後なのに本当に皆さんいい笑顔でした。それぞれの結婚に対する考えや答えを映像として残すときに、背景がみんな一緒だと多様性が伝わりづらいなと思ったので、画をなるべく変えたいというのがあって。近場で背景のパターンをいくつも探してっていうのもやりましたね。

ちなみに、当日の参加者はどう募集したんですか？

プロジェクトメンバーの知人経由で、直接お声がけをさせていただきました。「#ふたりのカタチ」の立ち上げから間もないときで、ワークショップも初回だったっていうのもあって、すべて私や瀬川からご説明して、ご理解いただいた上で参加していただく必要があると思ったんです。

立ち上げた本人が直接お会いして、こういう目的でこういう世界観でやりたいっていうことを説明することによって、安心して楽しんで参加してもらえたかなって。

「結婚ってどうですか？」って急に聞かれても、答えにくいですよね。かなり個人的なことをご質問しますし、不安に思っていることがあったら直接伺って、その場でお答えしたり、ワークショップ内容に反映したりするようにしていました。

参加者への事前のインタビューは僕も参加させていただいていたので、あの方のあの話は掘り下げられるんじゃないかとか、ディスカッションして。デスクリサーチとかじゃなくて、本当に生のインタビューから取っているので、絶対良いものになるっていう確信はあったんですよね。

「#ふたりのカタチ」テーマソングが生まれた、意外な経緯。

一人ひとりの言葉に耳を傾けた上で企画されていったんですね。事前の準備や当日の進行などは、二社間でどのような分担で進めて行ったのでしょうか？

プロジェクト全体を通して、DONGURIからウエディングパークさんに一方的にプレゼンする、みたいなことはほとんどしていません。全部一緒に作り上げていった感じなんですよね。例えば当日の香盤表ですら、ドラフトだけ準備して、その場で一緒に議論しながら作っていきました。

楽しかったですよね。当日は、社内外とか関係なく、お互い「ここに来てください」「あっちをお願いします」、みたいな。コンセプト作りから当日まで、チームみんなで連携したっていう感じでしたね。

ラグビーワールドカップみたいな(笑)。

そうそう。ONE TEAM ってやつですね(笑)。

理想的なチームワークですね！ あと、当日にはグラフィックレコーディングも取り入れていましたよね。

はい。僕たちからお話してみたら、瀬川さんにすごく良いって言っていただいて。

やっぱり視覚でリアルタイムに残していくことで、参加者にも楽しんでもらえますし。絶対やりたいです！って菊地に言ったのを覚えてます。

リアルタイムの良さを活かせるシンボリックなものがグラレコになるんじゃないかなって思ってたので。あとは本当に、瀬川さんがおっしゃるように、当日も現場でそれを見て、参加者の方も盛り上がってくれてましたね。

絵があると、やはり違いましたか？

違いました。この人がこういう発言をしましたっていうのを、参加者のそっくりな似顔絵と一緒に描いてくださって。それを皆さんが写真に撮ったり、パートナーに送ったりしていたのが印象的でした。

合わせて公開されたムービーについては3パターンに分けて公開されていましたが、どのようなプランニングだったのでしょうか。

配信回数を分けて、何回も山を作るPR設計を考えていました。

このプロジェクトに接してほしい方のペルソナと、フリークエンシーを最初に試算したときに、3回は必要っていうお話になっていきましたね。

実際に公開したあとの反響はどうでしたか？

動画自体が「#ふたりのカタチ」の世界観がすごく伝わるものになったので、その世界観とか、それのベースになっている経営理念が伝わっているのを感じましたね。「すごく良いプロジェクトだね」という声を多くいただきました。

あと、ただ動画を配信するだけじゃなくて、トータルでのコミュニケーションに今回チャレンジしていてですね。動画を3回にわたって公開するのと合わせて、「#ふたりのカタチ」の投稿キャンペーンも「結婚あした研究所」でやりました。他にも、ワークショップでお話いただいた実際のエピソードを元に、漫画家さんに「#ふたりのカタチ」で漫画を描いてもらって、それをサイトや公式Twitterで紹介したり、今回の企画の背景を菊地がnoteに書いたり、「#ふたりのカタチ」が多角的に、いろんなところで出るように工夫はしました。

「良い動画だね」っていう終わり方は、ブランディングの観点で言うと正しいんですけど。ワークショップで出た内容を、他のコンテンツにぜひ活かしてほしいというのは、僕たちの方からもご相談していましたね。

ワークショップだけで終わらせたくないっていうのは当初からお話をしていました。その場で生まれたものが、新しいコンテンツのヒントになったりとか。あとは社内的にも、エンドユーザーとの関わりっていうのは大きなきっかけになるでしょうし。そういう取り組みをやってる、ユーザーと共創してるっていうことがウエディングパークさんのエンドクライアント側にも伝わっていけば、いろんな方向に良い作用をもたらしていけるんじゃないかなって。

プロジェクト単体として成功させるだけでなく、次に繋げる、広げていくということが前提だったんですね。あと、お聞きしたいのが動画で流れているテーマソング！ この曲はどうやって生まれたのでしょうか？

あれは実は、プロジェクトとして依頼があったとかではなくて。

裏でこっそり進めてたんですよね。

映像を作るにあたって、当日に何が発言されるかが見えない状態のまま進めていくので、場合によっては台詞を使えるかもわからない状況なんですよね。なので、基本的に音楽がずっと流れるムービーにはなるだろうなって思っていて。それでまあ、あの。僕は曲作れるし、歌えるので(笑)。

一般的には、こういう映像はなかなか音楽先行で作らないと思うんですよね。映像がある程度イメージできて、音楽制作担当がそれにあった音楽を作るとか、探してくることが多くて。僕の場合は音楽ありきで映像ディレクションを考えたほうがイメージが湧きやすいんですよね。「ふたりのカタチ」っていうワードが結構キャッチーなので、特にその言葉を届けたいっていう思いもあって。最後にみんながそれぞれの思いを発表しているシーンで、「ふたりのカタチ〜」っていうコーラスが重なって一個のハーモニーになって、エンディングに向かうっていう流れが、なんかもう“見えた”んですよね。

音楽制作にあたって、事前にデモを作ったり、そういうやりとりはあったんですか？

いや、もう突然に。映像になった時点で初めてお披露目です。

え、じゃあ突然曲が付けられて？

本当にびっくりしました(笑)。

すごい！ 素敵なサプライズですね！

今思えば、音楽作るにしても「歌う」って結構ありえなくないですか？ 自分で歌うの？ っていう(笑)。

でも、10％くらい期待してましたよね。

そうそう。なんか、大久保さん作ってくれないかなって(笑)。まさか本当に作ってもらえるとは思ってなかったですけど。

DONGURIの社内的にも作って欲しかったので、ウエディングパークさんに音楽作ること教えていいですかって大久保に言ったら、言うな、と(笑)。

いや、その時は撮影のことでいっぱいで本当に作れるかわからなかったので(笑)。最終的には、企画の趣旨的にも男性と女性の声があったほうがいいなと思ったので、同世代の女性のボーカリストに手伝ってもらってレコーディングして。アレンジを知り合いのプロデューサーにお願いしたり、かなりこだわって作れました。

これは嬉しいですよね！社内的にも、驚いた方が多かったのではないでしょうか。

田口友紀子

永井大輔

濱脇賢一

田島一生

大久保潤也

「結婚って、なんだろう？」ブランド価値の理解を深める、ウエディングパークのワークショップデザイン。

本インタビュー企画では、ミミクリデザインのメンバーが持つ専門性やルーツに迫っていくとともに、弊社のコーポレートメッセージである「創造性の土壌を耕す」と普段の業務の結びつきについて、深堀りしていきます。第９回は、今月（2020年2月）よりミミクリデザインの新たなメンバーとなった、瀧知惠美（&nbsp;<a style="color:inherit;background-color:transparent" href="https://twitter.com/takichi" target="_blank" rel="noopener noreferrer">@takichi&nbsp;</a>）にお話を伺いました。前職のヤフー株式会社では、UXデザイン推進活動を主導し、ワークショップ型の研修やUXデザイン導入の実務支援を行なってきた瀧。また昨年まで、東京藝術大学大学院に所属し、対話によるふり返りの方法論に関する研究活動にも取り組んできました。今回のインタビューでは、これまで企業とアカデミックを往復しながら精力的に活動してきた瀧から、企業に所属しながら研究する意義や、今後ミミクリデザインの一員として何を成していきたいのか、詳しく語ってもらいました。（聞き手：水波洸）

研究によってもたらされた、アウトプットの質的な変化

よろしくお願いします。まず単刀直入にお訊きしてしまうのですが、ミミクリデザインのどういったところに関心を持って、入社を決めたのでしょうか？

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