DONGURIとミミクリデザインが横断経営をスタートしてから、早くも5ヶ月が経ちました。

2社でコラボレーションするプロジェクトも増え始め、 様々な場で、個々人の対話もさらに活発になってきています。

今回はそんな対話の場のうち、 社内の事例共有会で生まれた、あるひとつの関係にフォーカス。

DONGURIのアートディレクター 吉田直記が共有したデザインプロセスの事例にミミクリデザインのディレクター・デザインリサーチャー 淺田史音が感銘を受けたことをきっかけに、改めて対話の場が設けられることになりました。

今回はその2人による、対談の様子をお届けします。

デザインという共通項がありながら、異なる役割を担うこの2人。&lt;br&gt; 意外にも共通していたのは、「もったいない」の感覚でした。

良いプロセスは、精度の高いアウトプットに直結する。

一対一でお話しするのって、ほとんど初めてですよね。

吉田

そうですね！ 今日すごく楽しみにしてました。

淺田

僕もです！ じゃあちょっと改めて、まずはお互いにどんな仕事をしているかっていうところから始めてみましょうか。僕が普段DONGURIで担当しているのは、主にVIやブランド・コラテラル（ブランドのツールやWebサイトなど）の設計・開発です。戦略の部分はDONGURIの他のメンバーが担当して、僕がその後の視覚化を担当するというのが主な流れですね。

私はミミクリデザイン（以下、ミミクリ）で、ディレクター・デザインリサーチャーとして、デザインプロセスの研究と実践に取り組んでます。あと、遊ぶような感覚で創造的なものの見方を呼び起こす、PLAYFOOL Workshopというワークショッププログラムのプロジェクトリーダーも担当しています。普段から色々なデザインプロセスのあり方を模索しているのですが、ミミ＆グリ社内での事例共有会のときお話しされていた、吉田さんのVI設計プロセスには本当に感銘を受けました！

groxiさんの事例ですよね。そう言ってもらえて本当に嬉しいです。

あのダイヤグラムはどうやって編み出したんだろうって、ずっと気になってるんです。

あれは僕個人が必要に迫られて考えた方法なんです。僕、そもそも物事を体系立てて話すのが得意じゃないんですよ。でも、プロジェクトでビジネスフェーズからデザインフェーズに切り替わった時に、抜け漏れがないようにしたいっていう思いがあって。何が何と接続されていて、アウトプットまでどんな文脈で紐づいているかを明確にしたいという僕の欲求から作ったものなんです。例えばWebサイトで指定されているフォントや文字サイズも、全部が戦略とか要件に紐づいているはずなんです。それを正しく理解して、正しく表現して繋げたいんですね。これは、僕の中にある「対象を理解したい」「ビジネスとデザインを接合したい」っていう欲求と紐付いていると思うんですけど。なのであのダイアグラムを作ることで、アウトプットで僕だけがジャンプしているのではなくて、本当はすべてのプロセスが繋がっているんですよ、って全員に伝えたかったんです。

ビジネスサイドの言葉って結構ロジカルなので、デザインと接合するときに色々な手段がありますよね。このダイヤグラムはそのうちの一つなんだろうなって。なんか、DONGURIの皆さんと話していると、ミミクリよりロジカルだなって思うことが多くて。それってやっぱり、ビジネスとデザインの接合をする必要があるからなんでしょうか。

その接合は皆考えているところではあるんですけど、手段は皆違ってて。感覚だけでジャンプして、それなのに説明もできる、みたいな人もいるんですよ。それは本当に人それぞれですね。僕は「良いプロセスが精度の高いアウトプットに直結する」と思っているので、プロセスそのものを特に大事にしているところがあるんです。再現性も肝だと思うので、いかに言語化や接続を行いやすいプロセスを踏むか、を考えている感じですね。

なるほど。プロセスを大事にする感覚、とてもわかります。ただ、デザインについては「最終的なデザインアウトプットの精度」を評価するのって難しいと思うんですけど、吉田さんはどんな軸で考えているんですか？

「視点によって変わる」っていうベタな回答になってしまうかもしれないんですけど。作り手である僕だけの単位で言うと、僕自身が良いって言えてるかどうかですね。全力で考えて全力で作って、納得できるところまでやり切ったな、って主観的に思えるかどうか。それ以外だと定量的なリサーチをかけたり、サイトの訪問者数やCVRが何%増えたか、とか。

「主観的に納得できたか」っていうのは吉田さんの場合、「プロセスでクライアントに納得した様子があったか」っていう目線も入ってくるんだろうなと思って。だからこそ、プロセスが大事なんだろうなって話を聞いて思いました。ミミクリでは「プロセスでクライアントに納得した様子があったか」っていう目線も入ってくるのですが、そういった側面もありますか？

そうですね。最近は特に、クライアント自身が選択してくれること、自分ごと化してくれることが大事だと思ってて。というのも、アウトプットを「作って終わり」ではなく、企業側に受け渡すためのブランドガイドラインをクライアントと一緒に作るプロジェクトが増えてきているんです。自分ごと化されないと、ガイドラインが使われなくなっていってしまうんですよね。「あなたはどう思いますか？」って、クライアント自身がフラットに判断できる情報だけ与えて判断してもらうやり方を、以前よりも意識しています。

ミミクリでも、いただくご依頼が変化してきていているんですよ。「社員から創造的なアイディアが出てくるワークショップを行ってほしい」というものから、社内でアイディアを生み出す土壌を作るための、「ファシリテーションできる人材、創造性をもった人材を育てたい」という人材育成の視点に変わってきているんです。手法としてのデザインがどんどんメタ認知的になって、使われるレイヤーが高くなってきている気がしていて。

そうですよね。「何をもってブランディングとするのか？」という問いをした時、そのまなざしは結局のところ、組織や人材、事業そのものにまで及ぶと思うんです。ブランドガイドラインもVIも、ブランドに関わる人同士の対話によって作り上げられ、育ち続けていくものだと思うので。本来的に言えば「作ったら終わり」ではなく、相手へ受け渡すためのプロセスが発生することは必然なんですよね。

これって「デザインとは何なのか？」「デザイナーの関与する範囲はどこまでなのか？」っていう話とも繋がりますよね。めっちゃ大きい話するやん、って感じかもしれないですけど(笑)。

2人に共通していた「もったいない」の感覚。

ディテールまで詰まったアウトプットやブランディングを、ただモノとして納品するんじゃなくて、組織がどう育て進めていくかっていう組織デザインの領域まで一括して実践するのはDONGURIの強みだと思ってるんですけど。吉田さん自身がデザイナーとして、そこに対してどういう立ち位置でやられてるのかとか、これまでの変遷をお聞きしてみたいです。

僕個人の根底にある欲求としては、さっき少しお話ししましたけど「対象を理解したい」っていうのがあるんですね。クライアントやプロジェクトに対して、「その本質ってどこにあるの？」「“らしさ”ってどこにあるの？」とか考えるのが好きなんですよ。でもそれだけだと、僕がデザイナーという役職で価値を発揮する理由にはならないですよね。変遷という意味では「なぜ僕がデザイナーとしてやってるか」っていう、根本的な問いな気がする。

私、そういう話が大好物なんですよ！(笑)

内発的動機がどこにあるのか、っていう話になってきますよね。デザイナーっていう意味では単純な話かもしれないんですが、絵を描くのが昔から好きで、褒められた嬉しさから始まってるんです。

「絵を描くのが好き」っていう原初的な衝動が根本にあるんですね。

デザインするのが楽しい、って最初に思ったのは中高の頃ですね。友達がバンド活動していて、そのバンドTシャツとかグッズを作ったとき。ビジネスとデザインの接合について考え始めるようになったのは、大学生になってからですね。

それは、どんなきっかけがあったんですか？

フリーペーパーのコンテストを運営する、学生団体に入ったんです。その頃、全国の大学でフリーペーパーを発刊するのが流行ってたんですよ。そこには、ミミクリの遠又圭佑さんもいたんですけど。

本当ですか！？ まさかの(笑)。

そこで、美術以外の……と言うとかなり広義になっちゃうんですけど、色々な分野の人、ビジネスを学ぶような人たちとも初めて触れ合ったんですよね。僕は高校も大学も美術系だったので、そういう人が周りにいなくて。で、ちょっと何か作ると「すごいね！」って言ってもらえて。それがすごく新鮮だったんですよ。逆に僕は、自分では想像もし得ない分野のことを考えている人たちがたくさんいるんだっていう驚きがあったんですよね。

ちなみに、その学生団体に入ったのってどんな理由だったんですか？

大学の課題に疑問を抱いていたんです。すべてがそうではないものの、課題って仮想で設定されるものが多いじゃないですか。実社会に存在してこそ意義があるだろうって思ってたので、教授が考えたifの問題に意義を見出せないところがあって。だからこそ、その学生団体で、社会に対して機能するものを作り出そうとしている人たちに会って感銘を受けたというか。それはデザイナーだけじゃ絶対にできないし、逆に言えば、デザイナーじゃなきゃできないこともあるんだなって実感したんですよ。あらゆる専門性の違う人たちが集まるとすごく可能性が広がるんだなって。「ビジネスとデザインでタッグ組んだら最強やん！」っていう感覚を、そこでクリアに感じたんです。

私、こういうふうに、現在に至るまでに人が歩んだ道のりとかを聞くのがすごく好きなんですけど。吉田さんってなんか、色々と早いですよね。まずデザインにどっぷり浸かっていたところから、ビジネスを学ぶ人たちと出会って化学反応が起こってパッと気持ちが切り替わって、っていうプロセスが美しいなって思いながら聞いてました。吉田さんがDONGURIで活躍している現状と照らし合わせて、なるほどなあって。

ビジネスの分野の人であったり、デザインを必要とする人たちに対して、自分が関わることで本質的な価値を見つけることができて、商材や事業が必要な人に届くのって、お互いにとってめっちゃハッピーなんじゃないか、っていうのがあります。

私、「もったいない」っていう感覚があるんですよね。私たちは組織開発、ファシリテーションが主な事業分野ですけど、クライアントさんの話を聞いている時に「こんなに素敵な人たちなのに」「対話の土壌ができていたらもっといい場所になるのに」みたいな感覚になることがあって。それとちょっと近いのかなって思いました。

「もったいない」の感覚、僕もあります！ めっちゃあります。それはDONGURIに所属している理由でもあるんですよ。事業系の企業のインハウスデザイナーにならなかったのは、自社の事業やサービスの課題しか解決できないから。DONGURIは受託が中心の事業なので、短いスパンかもしれないけど、いろんな人の「もったいない」に関われるって思ったんです。

「もったいない」っていう吉田さんとの共通点を見つけたぞ！って、今嬉しくなってます。ビジネスとデザインの接合のところ、ダイヤグラムとかコミュニケーションの話になるんですけど。DONGURIってビジネスとデザインでパートを分けているじゃないですか。だからこそ見えてくる、ビジネスとの接合においてのデザイナーの必要なスキルってありますか？

専門性をより高めていくっていう意味でも、フェーズを分けるのは大事なんだろうなと思います。少なくとも今、DONGURIのクリエイティブのメンバーの1／3くらいはスペシャリスト型っていうか、ある特定の方面に長けているのが特徴なんですよ。DONGURIの多様性ってそこからも生まれていると思うので。スキルセットとして凸凹があったら、誰かが補わないといけないじゃないですか。ビジュアルの専門性が長けている人がいたとして、その人が戦略とかマーケティングに関しても同じだけ興味を持てるかって言うのはまた別の話だと思うんですよね。

DONGURIは、内発的動機に基づいた体制になってますもんね。

そうですね。すごく平たい表現になっちゃいますけど「やりたくないことはやらない」、言い換えれば「やりたいことをやったほうが伸びるよね」っていう。やるべきことは責任を持ってやり遂げる前提で、自分の内側にある動機に素直になることを大事にしているんですよね。その凸凹を補おうとすると、フェーズを分けるのが一番妥当性があるのかなと。特に僕の場合はビジネスとの接合に興味があったので、戦略を立てた人たちの文脈を、いかにその速度を落とさずにビジュアルに変換していけるか、みたいな。クリエイティブの分野がそうであるように、戦略の分野も専門性の高い人がいないと成立しないんですよね。だからそこはもう割り切って、僕はアウトプットまでの専門性を高めて、チームとして凸凹が埋まり成立していければそれでいいっていうスタンスで取り組んでます。

その戦略はすごく納得だなと思います。DONGURIのメンバーに共通する、「興味のあるなしがハッキリ分かれてる」のも面白いなと思っていて。社内で共有されるDONGURIの事例がめちゃくちゃ濃いのも、その土壌、文化の中で醸成されてきたんだろうなと思います。

「感動すること自体が、人生の根源のエネルギーになってる」

ミミクリのメンバーは、DONGURIとちょっと違うかもしれないですね。どんなことにでも興味が湧く、みたいなところがある気がします。

そうなんですよ。でも、個人的にはそこには大学時代の紆余曲折がありまして……(笑)。元々は私、建築家の安藤忠雄さんみたいに、一つの道を極めるスペシャリストみたいな方に憧れてて。それで大学時代は、レーザーやサイボーグから建築、デザイン、メディアアートなどまで、色々足を踏み入れたんですけど、そういうスペシャリストってどの分野にもいるじゃないですか。そういう人に出会うたびに、感動しすぎてしまって(笑)。自分はなんか結果的に、そういう色々な分野の色々なものに感動できる人になってしまった、みたいなのがあるんですよね。吉田さんは「絵を描くのが好き」「作るのが楽しい」っていうコアがあった上で、どれだけ広げるかっていう話ですよね。それがすごくいいなって思います。私はフラフラしすぎてうまくいかなかったというか、うまくいかないこと自体が楽しくなってる(笑)。「この人たちすごく素敵なもの作ってるな」って感動すること自体が人生の根源のエネルギーになっていて。ひねくれた言い方になるかもなんですけど、そこに共感することで一時的に近い目線に立てたような気持ちになれるんです。

めっちゃわかります(笑)。僕もどっちかっていうと、そういうタイプなんで。

わかってくれますか、嬉しい(笑)。吉田さん、もしかしたら似てるのかなって思って。私、修士の時からそうなんですけど、感動が先走るあまり悔しい思いをしたこともあるんですよ。素敵なものを作る人たちに「すごい！」って共感して「私も一緒に作りたい！」ってパッと飛びついて、力になれなくて悔しい思いをしたことがあって。スキルを磨く時間をじっくり取る前に、先に行動してしまう性質があるんですよね。でも、アウトプットに直接的に繋がるスキルではなく、それ以外の関わり方で補うっていうやり方を身につけてから変わったんですよね。それがデザインリサーチだったり、ファシリテーションだったりするんですけど。自分の経験を活かして、素敵なことをしている人たちの良いところをもっと引き立てていきたいってなっていけたのが、ミミクリに入社してからの2〜3年、っていう感じでした。

……なんか、すごくいい話を聞いてしまってます(笑)。

コンプレックスの塊みたいな人間なので(笑)。語りがたまにこう、拗ねた感じになっちゃうんですよね。

今のお話を聞いてても思ったんですけど、ミミクリって他者への好奇心とか、ホスピタリティの感覚を持っているメンバーが多いような気がします。

その傾向は強いかもしれないですね。自分ひとりで完結するよりも皆で取り組むことでできることが増える、って思ってる人が多くて。そこはDONGURIとも共通するかもしれないですけど、私たちはそのための場を誂えることに特化しているという。ミミクリのメンバーって、ワークショップとかファシリテーションを一生やってたいって感じじゃないんですよ。

「ファシリテーターの道だけを徹底的に極めたい」っていう人はあんまり多数派ではなくて。もちろん、ワークショップの魅力に惹かれて、ファシリテーションがやりたくてっていう動機を持ったメンバーもいるんですけど。たまたまここにいる、みたいな感覚のメンバーが多いんですよ。

あくまでも手段として、ってことですね。なんか、僕と史音さんに動機の共通項がありながらも、取り組んでいる方法が違うっていうのが面白いなって思ってて。多分なんですけど、僕の煩悩的なものを全て除去したら史音さんみたいな考え方になる気がします。

僕の場合は、僕の存在を意味づける証をどこかに残したいんです。僕が関わることに意味がないものは関わりたくない、っていう極端な思考があったりするんですね。だからアウトプットにこだわっているんだと思うんです。僕の理解ですけど、ワークショップってその真逆の考え方だと思っていて。もちろん、その人にしかできない場の設計や問いの立て方とかはあると思うんですけど、フォーカスされるのは個人のアウトプットではなく、その場にいる人たちが何を生み出すかというところですよね。僕はそこの捉え方が煩悩的と言うか、自分の作ったものが形として残ることにこだわってしまうんです。その理由は興味のパラメーターなのか、本人の属性や能力値なのか。思考とは別の、元々の性質に依存するところなのかもしれないですけど。

個人が持つ性質は確かに影響すると思います。逆に私は「デザインやりたかったけどやってない」っていう人間なんです。Webサイトとかチラシとか名刺とか、ちょっとデザインしていたこともあって。すごく楽しかったんですけど、「デザインしてないとダメ」っていうほどにはなれなかったんです。それよりも、色んな人に出会ってその場を繋いでいく、みたいなところに時間を費やしたがるっていうか。

正直、それは羨ましいスキルです(笑)。僕は人前で話すこととか、誰かに自分を認識されることが得意じゃなかったんですね。“僕じゃない何か”でコミュニケーションしようとすると、アウトプットで間接的に関わるっていうアプローチしかなかったんですよ。史音さんみたいに、前に出ることを臆さない、っていう性質だったら、ファシリテーターになってたかもしれないなって。似たところがある気がするんですよね。

共通するところと、持ってないところがお互いにある気がしますね。私も大学の頃は「スキルは明確なアウトプットに伴ってしか存在しない」って思っていたんです。でも「目に見えない、言語化しづらいものだけど、史音のスキルはすごいんだよ」って言ってくれる方はいたんですよ。ありがたいことに。「それって何なんだ〜？」ってずっと悩んでいて、大学の外に出てからやっと腑に落ちて、自分の中でも認めることができるようになっていったんですよね。

認めるって重要ですよね。人にはできること、できないこと、するべきことがそれぞれあって。僕も自分への期待で葛藤していた時期もあったんですけど、自分の可能性を伸ばすために「できることをやろう」ってそれ以外のものを勇気出して諦めた、分岐の時期があったんです。あくまでもポジティブな諦めというか。

すごいなあ。私は今も、微妙に諦めきれてないところがあって。……まあ、またそこは今度お酒飲みながらでも(笑)。

そうしましょう。飲みながら話す内容になってきてますね(笑)。

ミミ＆グリのコラボレーションで、“崖”となる暗黙知を言語化していく。

ミミ＆グリでのコラボレーションは既にいろんな形で動き出していますけど、史音さんとたくさんお話しして、これから一緒にお仕事していくのがますます楽しみになってきました。共通項と違うところが、それぞれちょうど入れ子になってるっていうのが驚きでした。

本当ですよね！ 色々なコラボレーションをしていけそう。冒頭でクライアントへの受け渡しのお話をしましたけど、私たちも、ワークショッププログラムやファシリテーションの監修のみを行って、クライアントの皆さんがご自身でワークショップを実施する、っていう案件も増えてきているんです。暗黙知としてシェアされているものを受け渡す難しさも感じているし、そういうところも何か一緒に解決していけたらいいなって。自分たちが当たり前にやっていることをクライアントで再現してもらう、ってすごい難しいと思っていて。

暗黙知を共有する難しさ、ありますよね。ガイドラインを開発して受け渡すとき、僕はよく崖に例えるんですけど。僕らの中では非言語の感覚で、ヒョイッて飛び越えるだけに思える崖も、相手にとっては飛び越えるのが難しかったり。

僕や他のデザイナーが全くいない状態でも一定の規格のクリエイティブを目指すって、本当に難しいなって。

非言語的な感覚を言語化する必要があるんですよね。ガイドラインを作ろうとするとき、吉田さんがデザインプロセスを言語化したダイヤグラムみたいに、DONGURIが持つロジカルさっていうのがポイントになるのかなって思っていたり。

非言語感覚の受け渡しはDONGURIでも取り組み続けているんですけど、どうしても属人的なところが横たわってしまうんですよね。ガイドラインを作る過程においても、できるだけクライアント自身が主体的に作っていく実感を伴うものにしたくて。細かく規定すればするほどオペレーショナルになって、創造性が無くなっていってしまうという課題があるんです。一方で、規定の幅を広げれば広げるほど、ジャンプする崖と崖の間の距離を離すことにもなってしまう。そのバランスが難しいんですよね。これからコラボレーションしていくのも、ガイドラインよりももっと手前、デザインチームのあり方とかの問い立てを一緒にしていくっていうのもあると思うんですよ。

ああ、そういうやり方もあるかもしれないですね。ワークショップで生まれた気づきをもとにガイドラインを監修していく、みたいな考え方もありますね。

現場で場を醸成することを続けてきたミミクリがワークショップで非言語的な感覚を吸い上げて、DONGURIがロジカルに言語化や視覚化をするっていうコラボレーションは、すごく色んな可能性があると思います。まだまだ、このまま3時間くらいお話しできそうですが(笑)、今日のところはこのあたりで終えておきましょうか。

私もすごく楽しかったです！ 今度ぜひ飲みましょう(笑)。ありがとうございました！

ほぼ初めてとは思えないほど、共鳴するかのように溢れた対話の数々。2人に共通していた「もったいない」の感覚は、相手への共感と尊敬から生まれていたものでした。

これから様々な形で行われるであろう、デザインプロセスの「受け渡し」。今回の2人がプロジェクトで交わることで、どのような化学反応が起きるのでしょうか。ミミ＆グリのコラボレーションのあり方は、今回の対談をきっかけにさらなる新しい道が拓かれていくのでしょう。

田口友紀子

吉田直記

淺田史音

“崖”となる暗黙知を、いかに言語化して共有するか。「もったいない」から始まる、新たなコラボレーションの可能性。

本インタビュー企画では、ミミクリデザインのメンバーが持つ専門性やルーツに迫っていくとともに、弊社のコーポレートメッセージである「創造性の土壌を耕す」と普段の業務の結びつきについて、深堀りしていきます。第10回は、ミミクリデザインでディレクター兼デザイナーとして活躍する猫田耳子（&nbsp;<a style="color:inherit;background-color:transparent" href="https://twitter.com/mimicocco" target="_blank" rel="noopener noreferrer">@mimicocco</a>&nbsp;）です。グラフィックデザインからファシリテーション、ワークショップデザインと領域にとわられない多彩な働きを見せる猫田ですが、インタビューを通して、その背景には”人に寄り添う”ことを大切にする一貫した姿勢が見えてきました。また、「創造性とは何か？」という容易には答えの出ない深い問いに向き合う上で、示唆に富むお話も随所で展開されています。ぜひご覧ください。（聞き手：水波洸）

研究者たちとの交流を通して、徐々にデザインの道へ

インタビューされるの、めちゃくちゃ苦手なんですよね。

猫田

自分の写真や発言がかっちょいい感じでネット上に残り続けることに抵抗があるんですよね...。なんというか、「バタフライ・エフェクト」ってあるじゃないですか。蝶の羽ばたき程度のわずかな気流の変化が、廻り廻って南半球で嵐を引き起こすこともある、ってやつ。わたしは多分、その最初の蝶の羽ばたきのようなことをしていたいんですよね。最終的に起こっている嵐が注目を集めることはあっても、起点となる蝶がいつ何処にいたかは誰も気にとめない。そんなふうに、あんまり顔とか名前とか残していきたくないんですよ。世の中に名を残す人になるというよりも、その人の周辺で何かができるような人でありたい、みたいな。そういう生き方が性に合ってるんだと思います。

現在猫田さんは、前職に引き続きデザイナーという肩書きでありながら、ワークショップのファシリテーションやプログラムデザインを担当するなど、マルチに活躍されている印象を受けます。デザイナーとして活動し始めるまでには、どういった経緯があったのでしょうか？

元々アーティストになりたかったんですよね。オノ・ヨーコが高校時代から好きで、彼女のようなインスタレーション作品やコンセプチュアルアートを扱うアーティストになりたかったんです。それで、ムサビ（武蔵野美術大学）の映像学科・メディアアートコースというところで学び始めて、空間を使ったインスタレーション作品の制作などのアート活動をやっていたのですが、もちろん食べていけず...。その時に、当時わたしが住んでいたシェアハウスの同居人たちから、「ムサビ出身ならデザインもできるでしょ」みたいな感じで、デザインの仕事を依頼されるようになったんですよね。
そんなふうに身近な知り合いからデザインの仕事を請け負っているうちに、冒頭で話したように、わたしは自分の言葉を残すことに抵抗のある人間で、それだと表現活動にはあまり向いてないかもしれない、と気がついて。どちらかというと、世の中に何かを伝えたい・届けたい誰かがいて、その人から話を聞きながら、編集やビジュアライズを通して、モノとして見えるかたちに落としていくほうが、自分にはよっぽど向いてるなと思い始めたことが、いろんな意味でスタートだったように思います。

猫田さんは、ミミクリデザインCEOの安斎とは旧知の仲だと聞いています。

そうですね。シェアハウスの同居人に共通の知り合いがいて、安斎さんが修士2年くらいの時にはじめて会いました。7・8年ほど前でしょうか。思い返してみると、今わたしがミミクリデザインに入ったことには、安斎さんだけでなく当時の様々な出会いが影響しているのかもしれません。

わたしは美大出身で、いわゆるアカデミック領域で行なわれる研究活動には、在学中、一切触れてこなかったんですよね。だけど、シェアハウスの人から仕事を受けるうちに、安斎さんや安斎さんの周りの研究職の人たちと交流することが増えてきたんです。研究の実践に伴走させてもらったり、デザイナーとして学会発表用のポスターのデザインを担当させてもらったり。中でも特に印象的だったエピソードとして、安斎さんの一つ先輩の池尻良平さん（現・東京大学大学院情報学環 特任講師）という方から、「論文に載せる図がうまく描けないからちょっと相談に乗ってよ」と言われて、友人として話を聞く機会がありました。たしか、歴史の教材に関する研究だったと思います。
それで、当時はインフォグラフィックがちょうど話題になり始めていた時期だったので、インフォグラフィックを活用すれば、研究で明らかになった知見を、専門家だけでなく世の中にも広く知らしめて、裾野を広げていけるのではないか、と提案してみたことがあったんですよね。そしたら池尻さんは「インフォグラフィックは、確かに今の世の中の人たちに広く伝えようと思ったら有効で、良い方法だと思う。でも、研究者が論文を書くのは、200年後・300年後の人たちにとって意義があるものを残そうとするからなんだよね。スマホやパソコンをインフォグラフィックで描いたとしても、後世の人たちにとってはわかりづらい図表になってしまうかもしれない。だから、丸や四角といった最大公約数的な記号で図を作る必要があるんだ」という話をしてくれたんです。それを聞いた時に、何百年後の人に向けて何かを作るだなんて、そんな時間軸でものづくりを考えたことがなかったから、ものすごく衝撃的だったんですよね。研究者はそんなふうに日々の時間の捉えているのか、と驚かされて。

それで、その経験からある程度年月が経った今、前職のデザイン事務所もすごく好きだったんだけど、ミミクリデザインには研究しながら働いている人が何人もいて、そういう時間の捉え方もできる環境なのだろうと思ったことが、わたしがミミクリに入った大きな理由のひとつでもあります。自分がまだあやふやで、何者かもわからなかった時代に、研究者の人たちとたくさん会ってしゃべったり、時々研究に参加して論文を見せてもらったりしたのは、とても大きな経験だったな、と。

ある男の子の学びの過程から、「創造性の土壌を耕す」を体感した

これまでミミクリデザインのメンバーとして担当してきたクライアント案件の中で、印象的だったものはありますか？

株式会社バンタンさんのスクールで「創造性開発プログラム」のカリキュラム設計と運営を担当した案件は、テーマとしてミミクリデザインが掲げている「創造性の土壌を耕す」とダイレクトに関連するものであったことと、わたし自身が「創造性の土壌を耕す」というのがどういうことなのか、具体的に体感できた気がして、印象的でした。

案件の概要を簡単にお話してもらっても良いでしょうか？

株式会社バンタンさんが運営するクリエイティブ系のスクールには、デザイナーやゲームプログラマー、パティシエ、美容など、いろんな専門職を目指すためのコースがあります。ただ、技術を教える授業は充実している一方で、その根源となる創造性の育成にもっと力を入れたほうがいいのではないか、という問題意識を抱えていたそうです。そうした経緯から、2017年にミミクリデザインに授業の設計と実施の依頼があって、私は2年目のスタートから関わり始めました。

「『創造性の土壌を耕す』というのがどういうことか体感できた気がした」というお話でしたが、どういった場面でそう感じたのでしょうか？

授業を通して見てきた、ある男の子の変化が印象的でした。その子は、元気だし、授業も真面目に出席するけれど、最初のアイデアは、それほど特別に目を引くものではありませんでした。それが、何がきっかけだったのか、授業を重ねていく毎にアイデアがどんどんアーティスティックな方向に発展していったんです。

どのようなアイデアだったのでしょうか？

「考える水」というタイトルの作品で、町の中に小さな泉を設置する、というものでした。その理由について彼は、「突然謎の泉が置かれていたら、町の人は違和感を抱きますよね。その違和感をきっかけに、何か考えることを起こさせたいんです」という話をしていて。

問題解決ではなく、問題提起のアイデアだった。

そうです、そうです。「『考える水』は、水が考えるんじゃなくて、あなたが考えるための水で、それを僕はデザインとして作り出したいんだ」という話でした。スクールの方針として、基本的にビジネスに結びつく力を育てたいという考え方がベースにあるから、そういう意味では今回のアイデアにあまり良い評価はつかなかったのですが、彼個人の学習に限っていえば大きな変化があったように見えたので、強く印象に残っていたんですよね。
それで、全授業を終えたあと、来年度の授業に向けて学生さんを3人選んでインタビューをさせてもらう機会をいただいたので、その中のひとりに彼を選ばせてもらったんです。どうしてそんな変化が生まれたのかを知りたくて。そしたら、インタビューを進めていくうちに、ある授業でわたしが「『ついやってしまう』体験のつくりかた」という元任天堂の企画担当者の方が書かれた本を、学生たちに紹介しようと思って教室に持っていった時の話になったんですよね。
その男の子は、わたしが紹介する前からすでにその本読んだことがあったみたいで、授業が始まる前に声を掛けてくれて。その時はただの雑談で終わったのですが、後々インタビューで聞いてみたら、今回の授業を受けるまで本なんて一切読んだことがなかったらしいんです。だけど授業を通してアイデアを出すということに興味を持ち始めて、たまたまその本の存在を知った時に、はじめて自分で本を買ったんですって。そしたらそれがきっかけで本を読むことの面白さに目覚めて、「今はまた別の本を読んでるんですよ」とインタビューでは話してくれて。他にも、「町中でこういう良いデザインがあって...」と自分で撮った写真を見せてくれたりして。

聞きながら、なんか、感動しちゃったんだよね。これまで読んだ本の中で印象に残った部分を聞いてみたら、これも任天堂について書かれたある書籍の中で紹介されていたエピソードだと思うんだけど、心拍数を測るためにからだに軽く電気を流す機械がすでにあって、それを任天堂が「相性占いができる機械」として売り出したそうなんですよね。そのアイデアの何が良かったのかと彼に聞いたら、「実際相性占いをするためには、自分がいて、好きな人がいて、自分と好きな人が手を繋がなくちゃいけない仕組みになっている」と。その上で、「元々は単に電気が出る機械でしかなかったのに、”相性占い”と言い換えることで、好きな人と手を繋げるアイデアに生まれ変わるのは、めっちゃ面白いし、おもちゃとしてすごく良いアイデアだと思う」と熱心に語ってくれて、わたしはそれを聞きながら、「あんた、それ、意味のイノベーション*の話してんじゃん！」と思って。今回の授業では意味のイノベーションなんて単語は一切出してないんですよ。それでも、本質的な部分はちゃんと学んでいるから、また感動しちゃって（笑）

<blockquote>*意味のイノベーション ロベルト・ベルガンティ教授（ミラノ工科大学）が自著『突破するデザイン（原題： Overcrowded）』で提唱した、製品の機能ではなく感情や象徴としての「意味」を起点としたイノベーションを生み出すための方法論。「ユーザーへの共感ではなく、創り手個人の熟考から始めるプロセス」や「批判性を伴ったアプローチ」などが主な特徴として挙げられる。</blockquote>

そのような変化が起こった要因として、授業における猫田さん関わり方も少なからず影響しているのではないかと思いますが、ファシリテーターとして生徒と関わる上で、特に意識していたポイントは何かありますか？

意識していたというか、良くも悪くもそういう仕事のやり方しかできないというのもありますが、できる限りバイネームで接するように心がけていました。例えば、生徒たちから提示されたアイデアにフィードバックをする際には、そのアイデアが発想された背景には、どんな個人的なスタンスや思想があるのか、もっと言えば、これまでの授業での発言やベースとしている過去のアイデアが何か、ちゃんと見てあげた上でコメントを返すようにしていました。そうじゃないと、響くものにならないと思っているので...。通常の授業の時にも、必ず発表のときに自分の名前を全員に向けて言ってもらうようにして、まずは一人ひとりの名前を覚えるところから始めました。誰にも見せてないけど、学生シートみたいなのも作りましたね。

そういった相手の人となりを捉えながら関係性をつくろうとするスタンスは、冒頭で話してもらった、身近な人の手助けをするうちに、デザインに取り組むようになったというお話から一貫しているように感じます。

そうですね。でも、数回授業したくらいでわかった気になってしまうのもそれはそれで危険な気がするので、実は葛藤もあるんですけど。

「早くきれいな」創造性だけでなく、「深く潜る」創造性にも目を向ける

ここからはミミクリデザインの内側の様子についてお話を伺っていこうと思います。現在猫田さんは「butaiユニット」に所属されていますが、まずは簡単にどういうユニットか、お話しいただいても良いですか？

「butai」というユニット名は、シェイクスピアの「この世は舞台、人はみな役者だ！」という名言を由来としていて、ユニットリーダーの和泉（裕之）くんが名付けたんですよね。で、その由来のとおりに、人材育成や組織開発などの人と関わるクライアント案件を中心に担当しているユニットでもあります。ほかのメンバーの特色としては、和泉くんが「舞台映えしそう！」と言っていたのをよく覚えていて、なんとなく、個性派な役者が揃っている感じがしますね。人間として個性的というよりも、舞台に立った時に、なんとなく目を引く存在というか。あとは、しっかりと役割分担が決まっているというよりも、それぞれファシリテーターとして自立している人たちが寄り集まっているような印象があります。

猫田さんは他のメンバーと比べてどのような特性があると自分では感じていますか？

臼井（隆志）さんや、（雨宮）澪さんは、例えるならお祭りで音頭を取るタイプなんですよね。いまコロナの影響で対面でのワークショップができない状況が続いていますが、そんな状況でもオンラインでできることは何か我先に実験して、可能性を探索して道を切り拓いていく世界を創っていくタイプなのだとしたら、わたしはどちらかというとある程度作られた世界の外れの方でどうやったら楽しく遊べるかを考えているタイプというか。冒頭でも話したように、わたしは世間に向けて表立って主張したいメッセージがそんなにあるわけではないから、そういう立ち位置を選びがちなのかもしれないですね。

先日行なわれたミミクリデザインの全社会では、猫田さんが「もう少し、社内における創造性の認識の幅を広げていきたい」というお話をされていたシーンがありました。そのトピックについて詳しくお伺いしてもよろしいでしょうか？

全社会の直前に、「ポコラート全国公募」という公募展を見に行ったんですよね。そして、その中に「Negative capability -くつろいでいられる能力- 」というタイトルの作品があって。どういう作品かというと、重度の自閉性障がいを抱えたある男性に関する記録の展示で、その人は身の回りのこともできないし、言語も不十分なのだけれど、唯一好きな行為が、古いカセットテープをいじることで、ケースから出し入れしたり、長い紐を括り付けて、垂らして、回して、それをじっと見ていたりを何十年も延々繰り返しているんです。また、支援者の人たちの話では、たまに彼がカセットテープをいじる行為を他の人にさせて、その様子をそばでずっと眺めていることがあるそうなんですね。

展示では、彼が過ごしている様子と、支援者の人たちに対するインタビューを映した映像が流れていたのですが、支援者の方は、その行為を彼なりのコミュニケーションの方法として捉えていました。人と何かしらで関わろうとする術のひとつなのではないか、と。そして、特に印象的だったのが、「世の中のすべての人が、生きる上で言葉の海を泳いでいるとしたら、障がいを抱えた彼は、他の人みたいに早くきれいに泳ぐことは決してできない。その代わり、すごく深く潜ることはできるのではないか。私たちも、彼らが深く潜ることにできる限り付き合いたいんだけど、どうしても途中で息が切れてしまう。でも、彼らは、普段は深く潜ることで、たまに水面に顔を出して、誰も知らない宝物を持って帰ってきたりするんですよ」と、そのような趣旨のお話をされていたんです。
それを聞いた時に、あくまでわたし個人の印象ですが、ミミクリの中で語られている創造性は、まだ「いかに早くきれいに泳ぐか」というところにしか焦点が当たっていないような気がしたんです。早くきれいに泳ぐだけでなく、深く潜るような創造性も大事で、お互いを活かし合うために何ができるか、というところで思うところがあって、全社会では「創造性の認識の幅を狭めないようにしたいですね」という話をしました。小綺麗な締め方をするとしたら、そういった合理的ではないかもしれないけれど大事な部分もちゃんと見つめていけるような、自分であり、ユニットであり、組織であってほしいとは思いますね。

Twitterでは熱心なベイスターズファンとして知られていますが、どういうきっかけで興味を持ったんですか？

ベイスターズの元社長が書いてた、スポーツマネジメント・スポーツビジネスに関する本を読んで、面白いことやってるなと思って、ハマスタに実際に野球を見に行ったんですよね。そこから気づいたらファンになってました。Twitterだとただの野球オタクにしか見えてないと思うけど、もともと興味を持ったきっかけはそこなんですよ。「負けてもまたスタジアムに来たくなるデザイン」としてどういう工夫をしてるか、とか。今のミミクリの事業とも関連する話としては、組織開発の取り組みも、ベイスターズはずっとやってきたので。めちゃくちゃおもしろいんですよ。実は。インタビューでは話してないけど。そういう話ができればよかった！スポーツ案件、やりたいです！（笑）

水波洸

猫田耳子

田幡祐斤

田幡グリちゃん

人に寄り添い、深く潜るような創造性を掬いあげる（メンバーインタビュー・猫田耳子）

本インタビュー企画では、ミミクリデザインのメンバーが持つ専門性やルーツに迫っていくとともに、弊社のコーポレートメッセージである「創造性の土壌を耕す」と普段の業務の結びつきについて、深掘りしていきます。

初回はミミクリデザイン代表の安斎勇樹（ <a href="https://twitter.com/YukiAnzai" target="_blank" rel="noopener noreferrer">@yukianzai</a> ）です。結果的に、安斎のワークショップに対する原風景やモチベーションの源泉について語られる、非常に興味深い機会となりました。ぜひご覧ください。（聞き手：水波洸）

現場と関わることで見えてきた、ワークショップが企業に必要な理由と新たな問題意識

よろしくお願いします。まずは2017年3月にミミクリデザインを創業するに至った理由や経緯を教えてください。

大学院の修士課程の頃から、ワークショップやファシリテーションの方法の研究を10年以上続けてきました。博士号を取得して特任助教となり、研究者としてのキャリアを積んでいく一方で、企業や地域、教育現場から依頼を受けて、複雑な課題を解決するためのワークショッププロジェクトにも取り組んできました。

安斎

そうした取り組みを続けるなかで、ワークショップデザインやファシリテーションが、いかに企業や地域、学校にとって大切なのかを痛感しました。「新しいアイデアを生み出さなければいけない」や、「新しい教育プログラムをつくらないといけない」といった課題に対して、ワークショップが手法として大きな可能性を持っていることに気がついたのもこの頃です。

同時に、ワークショップが現場で誤解・誤用されていたり、ワークショップに適した課題を抱えているにも関わらず、ワークショップへの理解が不十分であるがゆえに本来の効果が正しく発揮されていなかったりする現状に問題意識を感じていました。論文や本を書いているだけではどうしても変えられない部分があって、すごくもどかしかった。研究活動ももちろん重要ではあるのですが、他方で、研究以外の形でワークショップの知見や方法を現場に届けて、現場を変えていくことができないのかと考えて、新たな実践の回路を作るために株式会社という別の顔を作ったのが、ミミクリデザインの元々の始まりですね。

ワークショップの手法としての可能性について、どのような手応えがあったのか、もう少し詳しくお話しいただけますか？

企業の方からお話を頂いてワークショップを実践するようになってから、企業における普段の業務は、非常に深く、けれども狭い視野のもと行なわれていることを知りました。技術者が自社の技術を活かすことのみにとらわれたものづくりをしているといったケースに始まり、別のケースでは、例えば「カーナビ」を作るメーカーは、「どんなカーナビを作るか」という狭い前提の中で商品開発をしている。そうした強い固定観念が、「イノベーションが大事」とか「組織が変わらなくてはならない」としきりに言われている昨今、企業にとって変化を止める重い足かせになっていると感じました。きちんとデザインされたワークショップは、人を暗黙の前提から解放することができるので、企業が変わるための手法として、ワークショップの相性の良さを実感しましたね。

クライアントとの関わり方において、安斎さん自身や、ミミクリデザインという組織が大事にしているポイントは何かありますか？

創業から2年が経った今まで、自主サービスであるWORKSHOP DESIGN ACADEMIA*がスタートし、また、企業や行政からの受託で、人材育成や商品開発、まちづくり、組織開発といった様々な領域のプロジェクト案件に取り組んできました。以前、メンバー全員で2年間の活動を振り返って、「結局ミミクリデザインがやりたいことって何だろう？」という問いで社内でワークショップを行なったのですが、全員一致していたのは「自分たちがコンサルタントとして独創的なアイデアを提案する」のではなく、「最終的にクライアントが自ら燃え上がって、自分たちの手でアイデアを出せるようになる」とか、「これまでと違ったまなざしで課題を捉えられるようになる」ことを支援したいというものでした。代わりに成果を作ってあげるのではなく、クライアントチームの創造的な学びのプロセスに伴走したいよね、と。

<blockquote>*WORKSHOP DESIGN ACADEMIA：ミミクリデザインが運営する、ワークショップデザインやファシリテーションについて継続的に学べるオンラインサービス。 <a style="color:inherit;background-color:#f7f9f9" href="http://mimicrydesign.co.jp/wda/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">http://mimicrydesign.co.jp/wda/</a></blockquote>

ワークショップの理論的源流であるジョン・デューイという哲学者は、人間の行為の原動力は“衝動（impulse）”だと述べています。人間が学び変化するときは、いつも身体の内側から湧き上がる衝動が根底にある。そのような衝動は、大人も子供も関係なく誰もが持っている本能的なものだ、と。けれども伝統的な学校教育にせよ、企業にせよ、個人の衝動には”蓋”がされている場合が多い。クライアントの方々が内側に秘めている潜在的な衝動を耕して、それを起点にプロジェクトを設計することで課題解決や価値創造にファシリテートしていくような取り組みが、僕らのやりたいことであり、専門性であると考えています。

組織の一員として、そのような考え方はクライアントとの関係だけではなく、ミミクリデザインの内部においても大事にされているように感じます。

はい。ミミクリデザインには、思いついたらそれをやらないと気が済まない衝動性のかたまりのようなメンバーがたくさんいますし、その衝動性ができる限り殺されず、素直に価値創造のエネルギーに変換され、発揮されている状態を大切にする組織風土がありますよね。とはいえ、衝動が衝動のままでは、保育園と変わらない（笑）。湧き上がる衝動に、知性をブレンドして、どのようにクリエイティビティに変えていけるか、積極的に探求する組織づくりをガンガン推し進めていきたいですね。

二つの原体験から、ポテンシャルが発揮される仕掛けづくりのルーツを探る

今の話もそうですが、話の端々に、ビジネス的な目線と同時に教育的目線を大事にされているように感じられます。もともと安斎さんは教育工学を専門とされていますが、そういったバックグラウンドから影響を受けていると感じる部分はありますか？

やはり僕の専門性は教育工学や学習科学にあるので、組織や社会の課題は「人間の学習の力によって解決できる」という信念が根底にあります。だから、組織開発であれ、商品開発であれ、依頼を頂いたらそのクライアントチームの学びや変化をどのように引き出せば課題解決につながるだろうかという発想で取り組んでいます。親しい友人からはよく、「ポテンシャルフェチ」と言われています（笑）

人やチームが、きっかけがなかったり、環境やその人自身の思い込みのせいで、本来出せるはずのパフォーマンスが発揮できていない状況に対して、強いもどかしさを覚えるんです。

なるほど。昔からそうなんですか？

原体験と言えるようなエピソードが二つありますね。一つは高校時代の時の話。小学生の時からずっとバスケットボールを続けていて、ずっと夢中だったのですが、高校一年生の時に膝の半月板を損傷して、満足にプレイできなくなってしまったことがありました。
それまでは自分が点数を取ることしか考えていなかったのですが、怪我を機にプレイヤーからマネージャーに転向する決断をして、チームをコートの外から見るようになったんですよね。そうすると、「あいつ、もっとこうやったらうまくなれるのにな」とか、様々な気づきがあった。それをチームメイトたちにアドバイスしたところ、プレイヤーたちの動きがすごく良くなったんですよ。それがとても嬉しくて、自分がプレイヤーとして活躍するのも楽しいけれど、それとはまた別の関わり方や喜びがあることに、この時気がつきました。

もう一つの原体験はどのようなものでしょうか？

もう一つの原体験は、大学生の頃の話です。大学入学時からアルバイトとして中学受験向けの塾講師や家庭教師をしている中で、子供の意思を無視して親が無理やり勉強をやらせている、という状況をよく目にしていました。そこで、大学二年生の時に、お母さん向けに情報提供や悩み相談を行なうWebサービスの会社を作ったんですよ。だけど、受験や偏差値といった強烈な物差しに計られながら活動するのが、徐々に窮屈に思えてきた。
そこで大学四年生の時に、受験を終えた中学一年生たちを集めて、私塾のようなものを始めました。僕が面白いと思っている起業家やアーティストなど大人を招いて、参加体験型の授業を僕と共同で実施するというスタイルで、せっかくだから僕の友達の大学生たちにも参加してもらって、中学生も大学生もごちゃまぜの授業を、毎月一回のペースで続けていました。そこには中学受験に失敗しちゃった子とか、勉強に面白さを見いだせていない子たちも多かったのですが、そういう子たちが楽しく伸び伸び学べたり、学習に対する考え方が変わったりする様子を間近で見られて、とても面白かったですね。当時はまだそれがワークショップという名の活動と認識していませんでしたが、だんだんワークショップと呼ばれるものであると気がついていきました。
その連続ワークショップに毎月通ってくれていた子の中に吃音を持つ子がいたのですが、その子が毎回のアイスブレイクの自己紹介でうまく話せないでいると、同伴で参加しているお母さんが代わりに自己紹介をしてしまう。そんな状態が半年ほど続いていました。だけどある回で、その吃音のある子の何気ない一言が、周りの子供達の注目を一斉に浴びた瞬間がありました。その場の誰もが知らない遊びを、その子だけが知っていたんです。周りの子たちが「なに、その遊び！」とワッと喜んだその瞬間、その子は目を輝かせ、その後のグループワークでも饒舌に話すようになり、結果として大人では思いつかないアイデアを出したんです。思いもよらぬかたちでスポットライトが当たることで、その子を抑圧していた日常の”ものさし”が壊れたのかもしれません。人が劇的に変化する場面を目の当たりにして、めちゃめちゃ興奮しましたね。

高校のバスケの話にしても、吃音の子のエピソードにしても、今改めてそれらの経験を振り返って思うのは、人が何かの理由でうまくパフォーマンスできなかったり、変われなかったりしていたとしても、それはその人のせいではなく環境や他の要因によって埋もれてるだけなのではないかということです。前述した、個人の内側から湧き上がる衝動に、”蓋”がされてしまっているという話にも通じます。そこをちょっと手助けしてあげて、本来持っていたポテンシャルが発揮される瞬間に立ち会うことが僕の興奮するポイントで、だから自分のことをポテンシャルフェチだと思っています。

そうした経験が、大学院でワークショップを研究をしていく上でのきっかけとなっていった？

そうですね。その人の発揮できてない衝動やポテンシャルが発揮されるまでの仕掛けづくりとして、ワークショップはまさにぴったりの手法だと気がついて、僕自身の興味・関心とワークショップが強固に結びつきました。そこで大学院では、ワークショップの研究ができる研究室に入りました。人の隠されたポテンシャルが発揮されるために、どうすればワークショップをもっと上手にデザインできるのだろうかと調べ始めたのが、研究活動のルーツとなっています。

“研究のための実践”から“実践のための研究” へ

大学院進学後に印象的だったエピソードについて教えてください。

大学院に入ってからまず僕が取り組んだのが、同じテーマのワークショップでも参加者に投げかける「問い」の設定次第で、参加者の創造性の発揮のされ方に違いが出ることを検証する研究でした。そしてその研究成果となる論文が、何十年とワークショップを実践されている熟練者の方々から、「これまで無意識に工夫していたことが言語化された」と、ものすごく高く評価して頂いたんですよ。自分が一生懸命書いた論文が、現場のエキスパートに評価されるということに、研究者としての喜びをすごく感じましたね。
また、大学院の指導教員だった山内祐平先生や、隣の研究室の中原淳先生から、研究しながら実践をするスタイルを学べたことも大きかった。それまでは研究者と実践家の両立は難しいと考えていましたが、山内先生や中原先生は、研究者でありながら、NPOの経営や企業のコンサルティングなど、多数の取り組みをなさっています。「そんなキャリアもあり得るんだ」と、ある種のロールモデルを見つけたような気持ちになりました。

そのような研究しながら実践するスタイルは、ミミクリデザインを経営する今も継続されているのでしょうか？

研究は継続しますが、研究者としてのアイデンティティは若干変わってきていると感じています。以前は、実践することでより良い研究ができていくという感覚でした。自分で実践をして、ワークショップの実践上の困難さやポイント、現場でどんなニーズがあるのかなどを理解し、それらを研究に活かしていく。それに対して、ミミクリデザインを創業してからは、徐々により良い実践のために研究しているような感覚に変わりつつあります。
ミミクリデザインには、僕以外にも様々な強みを持ったメンバーが何人も在籍しています。そうした状況下では、僕がファシリテーターとして現場に出るよりも、研究的知見を紡いで、より良い実践の機会を増やし、彼らのポテンシャルが発揮されることに力を注いだほうが、よほど世の中にインパクトを与えられる。現在ではそのための手段として、研究活動を位置付けています。研究活動を通じて、ワークショップの方法論を研ぐとともに、ワークショップを正しく現場に理解してもらうための論拠を示していきたいですね。

ありがとうございます。最後に、ミミクリデザインとしての活動を通じて、今後何を為していきたいですか？

ミミクリデザインのメンバーが20名超えた今、個性的なファシリテーターが何人もいて、それぞれが僕にはできないようなワークショップデザインやファシリテーションの技を持っています。例えば、ディレクターの一人である<a href='https://twitter.com/hirokazu_oda' target='_blank' rel='noopener noreferrer nofollow'>小田裕和</a>は、意味のデザインの領域で博士号を取得し、イノベーションプロセスに伴走できるファシリテーターとして活躍してくれています。他方で、<a href='https://twitter.com/keisuketohmata' target='_blank' rel='noopener noreferrer nofollow'>遠又圭佑</a>のように、組織に対して緻密に丁寧に人間臭く関わりながら、戦略的に組織変革に伴走していくことを得意とするファシリテーターもいる。<a href='https://twitter.com/wawawa_izumi' target='_blank' rel='noopener noreferrer nofollow'>和泉裕之</a>は、僕とは真逆のスタイルで、人の心を感情的に揺さぶるような対話の場を作りながら、組織のコミュニケーションや関係性の質を改善する対話型のファシリテーターとして活躍しています。その他にも個性的なファシリテーター、リサーチャー、クリエイターが何人もいる中で、僕個人のミッションは、彼らが現場で衝動とポテンシャルを発揮しながらより良い仕事をしていけるように、組織作りとワークショップの手法をきちんと研ぐところにあると考えています。企業の大きな課題を解決できるように、ワークショップを用いたアプローチのあり方を研ぎ澄ませて、より強い事業と組織作りに尽力したいと思っています。
先ほどのポテンシャルフェチの話とも重なりますが、創業して1年目・2年目は、まだ僕がプレイヤーとして”点”を取りたい時期でした。別に怪我をしたわけじゃないけれど、今はミミクリデザインをどのように良いチームに作っていくか、一つメタな視点からファシリテートしている感覚です。彼らがプレイヤーとして湧き上がる「衝動」を活かし、ポテンシャルを発揮させながら活躍できるように、経営者としての組織づくりと、研究者として知見を研いでくための活動を続けていきたいですね。いわゆる戦略的な人事制度などの仕組み作りにも力を入れていますが、我々が信じる「ワークショップ」のよいところを活かした、組織デザインを心がけたいですね。
「ミミクリはいつも楽しそうに素直に遊びながら仕事しているけど、すごい世の中にインパクトをもたらしていますよね」と言われるような、デューイが思い描いた学びのあり方を体現した組織になれるといいんじゃないかなと思っています。

創造性

“崖”となる暗黙知を、いかに言語化して共有するか。「もったいない」から始まる、新たなコラボレーションの可能性。

人に寄り添い、深く潜るような創造性を掬いあげる（メンバーインタビュー・猫田耳子）

衝動を活かして、個人のポテンシャルが発揮されるワークショップ型の組織をデザインする（代表インタビュー・安斎勇樹）

分断された組織の知を、
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